A movie for every year: Der Vintage-Thread

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Johanna von Orléans (1928)
Noch so einer, bei dem ich die überwältigende Begeisterung von nahezu jedem Rezensenten nicht nachvollziehen kann. Ganz weit oben findet sich dieser regelmäßig in den Listen zu den besten Filmen aller Zeiten, von einem unvergleichlichen Meisterwerk ist die Rede. Hm. Ich gebe zu, Maria Falconetti hat atemberaubend gut gespielt, erst recht wenn man die Zeit berücksichtigt, aus der der Film stammt. Das große Problem, welches ich mit diesem Werk habe, besteht darin, dass ihre Performance das einzige ist, was das ganze Teil überhaupt zusammenhält! Im Grunde ein biographisch-historisches Gerichtsdrama, setzt es sich weitgehend aus dieser einen Verhandlung (Verhör) zusammen, mit ständigen Nahaufnahmen vom Gesicht der Hauptfigur, ab und zu unterbrochen von Einstellungen, die die zwielichtigen geistlichen Männer zeigen. Das kann noch so gut gespielt sein, spätestens nach zehn Minuten hat man das Gefühl, dass die Szenen permanent mit minimaler Variation wiederholt werden, woraus für mich als Unterhaltung Suchender schmerzhaft fehlende Abwechslung und in letzter Konsequenz extreme Langeweile resultiert. Und das sage ich als jemand, der durchaus offen für Arbeiten mit künstlerischem Anspruch ist - ich brauche nicht immer nur Action und Eyecandy, letzteres beispielsweise in der Form von extravaganten Sets. Das darf alles auch mal etwas minimalistischer sein, aber eben nicht DERMAßEN minimalistisch wie in "La passion de Jeanne d'Arc" >_<
Ich habe auch nichts gegen eine stark emotionale, persönliche Handlung, doch wenn man nicht von Vornherein einen direkten Bezug zum Ausgangsmaterial hat (und kein Filmhistoriker ist), dann sehe ich schwarz für die Absicht, aus diesem Film irgendeinen Genuss gewinnen zu wollen. Bei jenem Inhalt und jener öden Herangehensweise, bei der handlungstechnisch so gut wie gar nichts passiert, wird es zu einer Herausforderung, von Anfang bis Ende durchzuhalten. Würde die Laufzeit 20 Minuten nicht überschreiten, käm ich mit so etwas klar, aber zwei Stunden? What were they thinking?! Sorry, aber da fehlt mir jeder Respekt vor einem angeblich so altehrwürdigen Meisterstück. Mehr als eine tolle schauspielerische Leistung der zentralen und praktisch einzigen Figur sowie ein paar sehr intensive Kameraeinstellungen bleiben hiervon nicht übrig. An einen Film stelle ich höhere Ansprüche als das. 1928 hatten andere schon längst gezeigt, was theoretisch alles machbar ist, und erst recht aus der Geschichte dieser historischen Persönlichkeit hätte man so vieles mehr machen können. Selbst wenn man sich alleine auf diesen prägnanten Höhepunkt konzentrieren möchte. Als eine zutiefst eindringliche Szene von wenigen Minuten in einem zweistündigen Film, der mehr "Drumherum" zeigt, hätte mich das beeindruckt. So wie es ist kann ich jedem, der Stummfilme nicht gerade zum Frühstück isst, nur dringend davon abraten, sich das hier reinzuziehen. Es lohnt sich nicht. So, jetzt hab ichs gesagt. Wobei es vielleicht doch einen Blick wert ist - einfach mal bis zu fünf Minuten an einem nahezu beliebigen Punkt reinschauen, nicht länger, dann hat man nämlich im Grunde schon alles gesehen.


Westworld (1973)
Hatte sich steel vor einiger Zeit drum gekümmert, wenn ich mich recht erinnere. Hatte ich vorher noch nie gesehen. War aber lustig, Yul Brynner als Gunslinger wiederzusehen, den ich in ähnlicher Funktion in dem gleichen Outfit erst vor Kurzem in "Die glorreichen Sieben" begutachtet hatte. Insgesamt fand ichs ganz nett, aber nicht überragend. Man merkt, dass Crichton hiermit noch ganz am Anfang stand, das Konzept mit dem außer Kontrolle geratenden Freizeitpark würde erst in Jurassic Park perfektioniert werden. Gestört hat mich hier vor allem, wie unheimlich simpel die Handlung doch ist. Vielleicht bin ich durch spätere Entwicklungen auf dem Gebiet verdorben worden, aber das hier war mir dann doch etwas zu schwach: Zwei Typen gehen in den Park, die robotischen Bewohner des Resorts geraten wegen (kaum erklärter) Fehlfunktionen außer Kontrolle, in Windeseile sind alle anderen Besucher und Parkmitarbeiter tot, der letzte Überlebende wird eine halbe Stunde lang Terminator-Style von einer schießwütigen Cowboy-Maschine gejagt aber plättet letztere mit einiger Mühe, Ende. Die Story ist ultra-linear, es gibt keine parallelen Nebenhandlungen, und die ohnehin schon zahlenmäßig unterbesetzten Charaktere, die wir etwas näher kennenlernen dürfen, werden zu früh sowie dramatisch wenig effektiv verheizt. Dafür, dass sich das letzte Drittel nur noch ausschließlich zwischen zwei Figuren abspielt, dauert die erste Stunde mit der Etablierung und Erklärung der Eigenschaften des Parks zu lange. Entweder, da hätte noch irgendwas anderes interessantes passieren, oder aber die Eskalation eher stattfinden müssen. Ein paar mehr Protagonisten und Dialoge wären auch hilfreich gewesen. Schöne Idee, und stellenweise ganz kurzweilig, aber unterm Strich nur mäßig und halbherzig in der Umsetzung. Es fehlte am Mut, mehr mit dem Entwurf zu machen und ihn mit spannenden Wendungen weiter zu spinnen.

Und ist es Absicht, dass Disney nicht bei dir auftaucht? Schneewittchen ('37), Fantasia ('40), Pinocchio ('40), Cinderella ('50), Peter Pan ('53), usw passen doch ganz gut wenn man Empfehlungen deiner Selbstauskunft nach aussprechen müsste.

...

Stimmt, darüber habe ich auch schon nachgedacht. Ursprünglich hatte ich mich was Disney-Animationsfilme angeht auf die beschränkt, die ich wirklich unbedingt haben wollte, was hauptsächlich die der Renaissance aus den 80er und 90er Jahren sind, und den Rest dann gedanklich einfach abgehakt, da der ohnehin nicht an jene heranreichen kann, die bei mir von einem massiven Nostalgiebonus profitieren. Vor gut einem Monat hatte ich mir einige Disney-Klassiker angeschaut, die ich schon lange nicht mehr gesehen hatte oder vorher noch gar nicht in voller Länge kannte, darunter auch Sleeping Beauty /Dornröschen von 1959. Den fand ich recht gut, vor allem in visueller Hinsicht, und der Bösewicht ist natürlich legendär. Bloß die Geschichte ließ etwas zu wünschen übrig, zumal viel zu viel Wert auf die grenzdebilen Feen gelegt wurde, aus deren Perspektive alles erzählt wird ^^
Aber die von dir erwähnten Disneyfilme habe ich zum Teil auch noch nie gesehen oder es liegt schon zig Jahre zurück. Das sollte ich mal versuchen. Könnte mir vorstellen, dass mir sowas wie Fantasia sehr zusagt, da ich sowohl Animation als auch klassische Musik sehr gerne mag *g* Etwas zurückhaltend bin ich was die oben stehenden Titel betrifft aber auch, weil ich eigentlich keine Musicals (mit Gesang) in Filmform leiden kann und selbst die Disney-Klassiker aus den 90ern nicht hauptsächlich wegen der bekannten Songs bewundere. Danke auch für die anderen Vorschläge. Ich glaube, Die roten Schuhe sind nichts für mich, aber bei den anderen beiden überleg ichs mir.

[MrBamboo]

Aber Achtung, Vampyr ist vom selben Regisseur wie Jeanne d'Arc.

...den ich übrigens großartig und gar nicht langweilig finde! Minimalismus, hurra!

[Enkidu]

...den ich übrigens großartig und gar nicht langweilig finde! Minimalismus, hurra!

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Liegt natürlich auch irgendwo an mir und meinen Vorlieben. Ich brauche seit jeher in einem Film grundsätzlich mehrere Charaktere und mehrere Orte (oder Variationen einer größeren Location). Hab ja schon eine starke Aversion gegen so etwas wie Cast Away (2000) oder Buried (2010). Von solchen Filmen scheint mir Jeanne d'Arc zumindest von der Herangehensweise so etwas wie die Ur- und Extremform zu sein, ein Prototyp. Eine Weile bin ich bereit, mir ein verzweifeltes und weinendes Gesicht in Nahaufnahme anzuschauen, aber das alleine kann für mich schon per Definition noch keine gelungene Erzählung im Rahmen dieses Mediums ausmachen :-/ Wenn man bei einem Film im Nachhinein durchzappt, und er gegen Anfang, Mitte, Ende und zwischendrin praktisch genau gleich aussieht, dann läuft da imho irgendwas falsch. Aber freut mich für jeden, der damit trotzdem was anfangen kann.
Eine abweichende Erwartungshaltung mag bei mir ebenfalls eine Rolle gespielt haben. Bereits der Name Jeanne d'Arc verspricht bei ein wenig vorhandenem Allgemeinwissen ein großes, herzzerreißendes, abenteuerliches Drama vor reichhaltigem, historischen Hintergrund zu sein (vgl. hier unter anderem D.W. Griffith "Orphans of the Storm" von 1921, grob etwas in der Richtung hatte ich mir vorgestellt), dazu kamen die voll Wonne jauchzenden Zuschauermeinungen. Entsprechend desillusionierend war es dann festzustellen, dass es sich "nur" um ein höchst minimalistisches, experimentelles Kunst-Melodrama in Dauer-Close-up handelt, das sich weitgehend in einem einzigen Raum abspielt. Ich hatte vor längerer Zeit schonmal eine Szene daraus gesehen, aber dass einfach ausgedrückt fast der ganze Streifen aus dieser einen Szene besteht, das hätte ich nie gedacht. Nee, bei sowas bin ich dann doch gerne der Banause und halte mich an meine ehrliche Meinung, das hat mein Wohlwollen, meine Toleranz und vor allem meine Aufnahmebereitschaft im Bereich Film etwas zu sehr strapaziert ^^

Wo ich gerade von wenigen Charakteren rede...


Robinson Crusoe on Mars /Notlandung im Weltraum (1964)
Hier hatte ich mir aufgrund des literarischen Ausgangsmaterials schon gedacht, dass es nicht so ganz was für mich wäre, weil der zwischenmenschliche Aspekt lange komplett fehlt. Das traf dann auch zu. Den Film kann man sich mal geben, die Spezialeffekte bzw. die Sets sind nicht übel für ihre Zeit, aber gut die erste Hälfte der Geschichte ist eher lahm und ereignislos. Dass wir heute mehr über den roten Planeten wissen und dieser Film mit seinen Spekulationen in vielen Punkten weit daneben lag, könnte erschwerend hinzukommen, ist aber bei Sci-Fi oft die Gefahr und macht auch ein wenig von dem Charme aus (Hehe, auf dem Poster steht fett selbstbewusst "This film is scientifically authentic ...it is only one step ahead of present reality!" Irgendwie süß). Lobenswert immerhin, dass so etwas wie Sauerstoff- und Wassermangel hier berücksichtigt wird. Ein Äffchen hat den Absturz zusammen mit Commander Kit Draper überlebt, das aber nur wenig Abwechslung reinbringt.
So richtig interessant wird es ab Erscheinen der UFOs und Freitag leider auch nicht. Ich fand es enttäuschend, dass der Typ von Orion (oder so) kommen soll, aber trotzdem aussieht wie ein ganz normaler Mensch. Bei Star Trek ist sowas verständlich, die hatten selten genug Geld und haben trotzdem wenigstens hier und da interessante Alienrassen mit Makeup oder Gummikostüm/-Maske gebracht, wohlgemerkt zu einer ähnlichen Zeit (nur ein oder zwei Jahre nach Robinson Crusoe on Mars ging Star Trek los). Aber bei einem Kinofilm mit für damalige Verhältnisse hohem Budget? Muss wohl alles in die Sets und Props geflossen sein. Die Sklaventreiber aus den irgendwann sehr nervig werdenden UFOs (ist glaub ich immer die selbe Einstellung, wenn die ballern und dann wegfliegen) bekommen wir sogar nur ganz kurz auf einem Bildschirm zu Gesicht, und das sind anscheinend auch bloß gewöhnliche Menschen in anderen Raumanzügen.
Als Survival-Abenteuer war es eine originelle Idee, die alte Geschichte auf den Mars zu verlegen und sie damit zu Science Fiction zu machen. So etwas dürfte ruhig öfters probiert werden in Hollywood - klassische Literatur mit stark verändertem Setting für frischen Wind. Robinson Crusoe on Mars lebt von seiner Atmosphäre der Abgeschiedenheit und fremdartigen Umgebungen, zu der stellenweise auch der eindringliche Soundtrack beiträgt. Bloß was die Story und Handlung angeht, fällt er sehr flach und hätte von ein paar überraschenden Wendungen profitiert. Das Ende kam mir entsprechend ebenfalls zu plötzlich. Fun Fact am Rande: In einer kleinen Nebenrolle spielt Batman persönlich, Adam West, mit

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Die Fahrten des Odysseus /Ulysses (1954)
Hat gerockt! Bin froh, dass ich den Film nach kurzer Recherche wiedergefunden habe. Eine dieser "Vor langer Zeit, an einem verregneten Nachmittag vor der Glotze"-Erfahrungen, die ich nun wieder aufleben lassen konnte. Die Erzählstruktur ist ganz interessant episodenhaft und in Rückblenden erzählt. Die Geschichte hält sich erstaunlich nahe an der sagenhaften Vorlage. Speziell die Fantasyelemente wie der Zyklop sind richtig toll gelungen und machen Laune. Der Anfang ist ein wenig lahm, aber dafür wird es anschließend immer besser und besser. Der Film ist eine Koproduktion von USA, Italien und Frankreich. Dafür, dass er nicht gerade das ausuferndste Budget seiner Zeit hatte, sind die Production Values erstaunlich ansehnlich. Schauspielerische Leistungen weitgehend solide (Kirk Douglas in der Hauptrolle) bis durchwachsen, ein paar der Dialoge des Drehbuchs hatten aber auf jeden Fall den nötigen Biss. Eine meiner Lieblingsstellen ist jene, als Circe mit ihrer Zauberkraft die Mannschaft in Schweine verwandelt hat...
Oddy: "You witch! While I slept you turned a band of heroes into swine!"
Circe: "It is much easier to do than you think."
Classic xD
Zum Finale zurück in Ithaca ist Odysseus RAGE!! bemerkenswert over-the-top. Für einen Helden wird er eigentlich richtig fies und ist praktisch im Amoklauf-Modus. Das wirkt heute ein wenig verwirrend, würde man in Hollywood inzwischen sicher abschwächen, aber es hält sich damit nicht nur an Homer, sondern ist auch herrlich unterhaltsam -_^ Alles in allem bestimmt kein großes Meisterwerk, aber doch ein schöner, klassischer Abenteuer/Fantasy-Film. Ist derzeit leider nicht in HD auf Blu-ray erhältlich, würde ich sonst ohne zu zögern bestellen.


Jahr 2022... die überleben wollen /Soylent Green (1973)
Wow, ich habe ja schon viele schlimme deutsche Titelübersetzungen gesehen, aber das hier ist immer noch eine der übelsten *rolleyes* Besonders im Nachhinein, wo der Begriff "Soylent Green" schon für sich genommen einige Bekanntheit erlangt hat, zumindest in Sci-Fi-Kreisen. Dachte mir, ich sollte diese Bildungslücke auch mal füllen. Eine sehr drastische und in mancher Hinsicht erschreckend realistische Dystopie zum Thema Überbevölkerung, Ressourcenknappheit und Moral. Ein paar Szenen wie diese Baggerladungen voll Menschen bei der Aufruhr wird man so leicht nicht wieder los.
Die meisten, die ein bisschen bewandert in der Popkultur sind, werden wissen, was genau Soylent Green tatsächlich ist. So ging es zumindest mir. Deshalb war ich dann doch ein wenig überrascht, wie lange die Enthüllung der Wahrheit im Film hinausgezögert wird, nämlich bis zu den letzten Minuten, selbst wenn man es sich auch ohne Vorkenntnisse schon eher zusammenreimen kann. Das ist irgendwie ein wenig schade. Es hat diesen The Sixth Sense Effekt - den fand ich als Film super, aber die Lust, ihn mal wieder zu schauen, ist gering, da die ganze Geschichte so sehr von dieser einen, überraschenden Wendung abhängt. Mit ihr steht und fällt die Handlung, und weiß man schon vorher Bescheid, ist aus dem zentralen Mysterium die Luft raus. Das ist bei Soylent Green noch bedauerlicher als anderswo, weil man gerade durch die gezeigte Welt und die behandelten Themen noch einiges mehr hätte anstellen und hinterfragen können, wenn die Offenbarung schon nach der Hälfte oder zwei Dritteln der Spielzeit erfolgt wäre. Hier wird es hingegen als so furchtbar betrachtet, dass die Wahrheit unaussprechlich für alle ist, die davon wissen - und das ist eben jener Punkt, den ich für unglaubwürdig halte. Eine zentrale Figur geht sogar in den Euthanasie-Freitod, weil er durch die Kenntnis alle Hoffnung an die Menschlichkeit verloren hat, ohne wenigstens seinen Partner darüber zu unterrichten (dass das vielleicht doch keine so üble Idee ist, fällt ihm erst auf dem Sterbebett ein). Ebenfalls nicht ganz leicht zu glauben ist, dass bei einer so vollen Welt nicht wenigstens Gerüchte darüber die Runde gemacht hätten. Naja.
Der Film war wie erwartet: Für meinen Geschmack etwas zu hoffnungslos/verstörend/thematisch-düster und für das Genre (nominell Science Fiction, aber genau genommen viel mehr Speculative Fiction) eine nur sehr schwach ausgeprägte Zukunftsvision, was die Äußerlichkeiten und Errungenschaften des Settings betrifft (Architektur, Technik, Kleidung usw.), denn daran gemessen könnte das ebensogut in der Gegenwart spielen. Wenig Schauwerte also. Als dramatisch geprägter und nachdenklich stimmender Thriller funktioniert das natürlich wunderbar. Ist nur nicht das, was ich hier suche.
Clevere Anspielung aus Futurama, als es um Slurm ging -
Fry: "What if the secret ingredient is... people!?"
Leela: "Oh, there's already a soda like that. Soylent Cola."
Fry: "Oh, how is it?"
Leela: "It varies from person to person."



Hier die neue Rubrik "Enkidu nörgelt again ...über Disney!" (Part 1)


Schneewittchen und die sieben Zwerge (1937)
Ah, das berühmte abendfüllende Erstlingswerk des Ladens, mit dem alles begann. Fälschlicherweise von stolzen aber unzureichend informierten Amis immer wieder als erster Animationsfilm überhaupt bezeichnet (es gab von 1917 an mindestens schon sechs vorher, je nach Definition mehr), hat Schneewittchen durchaus zu Recht einen hohen Stellenwert in der Geschichte des Kinos. Davon mal abgesehen ist er mir allerdings ein Graus. Das abstoßende Charakterdesign alleine genügt schon, um meine Begeisterung zu zerstreuen ^^ Der zentrale Konflikt hält sich in Grenzen, ewig lange passiert in der Handlung nichts von Belang - zu viel Zeit wird auf die Zwerge verschwendet, die kaum mehr als eine Ansammlung von nervigen Comic-Relief-Cutouts bzw. wandelnden Klischees sind, reduziert auf ein einzelnes Merkmal (da waren selbst die Schlümpfe vielseitiger). Trotzdem fiel es mir schwer, sie alle visuell auseinanderzuhalten. Die Auflösung ist pure Deus Ex Machina. Selbst das Märchen hatte mehr Ecken und Kanten zu bieten. Pech hatte ich auch mit der deutschen Version die ich gesehen habe, denn die besaß leider eine offensichtliche Neusynchro. Sowas bringt Disney ja öfters mal fertig. Ich weiß auch nicht, ich mochte den Film wirklich nicht. Ich respektiere ihn für das Zeitdokument, das er darstellt, aber viel mehr als ein paar ikonische Bilder bleibt mir davon nicht.


Fantasia (1940)
Ich wusste, um was es sich handelt und was auf mich zukommt. Ich liebe Animation und mag Orchestermusik. What could possibly go wrong? Nicht viel, aber es genügte, damit ich bei dieser Anthologie sammlungstechnisch passe. Erstmal denke ich, dass der Film nicht so super gealtert ist (was mich überrascht hat, weil doch gerade so etwas zeitlos sein müsste). Gar nicht mal die Tricktechnik an sich, sondern inhaltliche Details und Stilfragen. Dazu gehört auch der Abschnitt mit den Dinosauriern und deren Aussterben, denn der teils unterseeische Chicxulub-Krater an der Yucatán-Halbinsel wurde erst im Laufe der 40er Jahre gefunden. Die Impakt-Hypothese für die Kreide-Tertiär-Grenze gab es in der Form damals also noch nicht, ist aber heute so weit verbreitet, dass dessen Fehlen im Film inzwischen irgendwie seltsam wirkt ("Plötzlich wurde es staubig-trocken und alle Dinos starben").
Dann bringen es unterschiedliche, zusammenhanglose Segmente natürlich mit sich, dass einige davon besser sind als andere. Hätte mir gewünscht, dass das alles besser miteinander verwebt worden wäre. Denn ganz ehrlich - der (Realfilm-)Dirigent, der zwischendurch immer wieder unterbrochen und erzählt hat, nervte mich, manchmal sehr (Habe gehört, bei dem Sequel von 1999 soll dieser Punkt noch schlimmer sein, bin mal gespannt). Mir leuchtet ein, was sie versucht haben, es sollte für den Zuschauer wie der Besuch eines Orchesterkonzertes rüberkommen. Aber das kann in diesem Format und ohne Stimmung durch ein präsentes Publikum doch kaum funktionieren! Da auch noch eine Pause einzubauen, war überflüssig und diente nur besagter fehlgeleiteter Illusion, nicht aber dem Film selbst. Was mich an den "Orchester-Szenen" besonders störte war, dass der Dirigent oft schon vorweg nahm, was inhaltlich und musikalisch folgen würde, anstatt dass man sich überraschen und das Dargebotene unvoreingenommen auf sich wirken lässt.
Was die Sequenzen betrifft, hatte ich an einigen sehr viel weniger Interesse als an anderen. Gerade bei jenen, von denen ich schon so viel gehört oder aus denen ich bereits Ausschnitte gesehen hatte (Sorcerer's Apprentice mit Mickey, Nacht auf dem Kahlen Berge), waren die Erwartungen nach all den Jahren vielleicht etwas zu hoch, gefallen haben sie mir aber dennoch sehr. Besonders gemocht habe ich außerdem gleich am Anfang die Nussknacker Suite mit den tanzenden Feen. Diverse andere Teile des Films erschienen mir hingegen hoffnungslos verkitscht und wenig kreativ oder beeindruckend. So etwas wie das Zwischenspiel mit dem "visualisierten Ton" hätte man sich erst recht sparen können. Durchwachsen fand ich ferner die Wahl der Stücke. Keine Ahnung, wer die Zusammenstellung ausgesucht hat, und auf welche Kriterien dabei Wert gelegt wurde, vielleicht war vor 75 Jahren der Geschmack auch schlicht ein anderer. Auf jeden Fall hätte ich mir mehr und bekanntere klassische Meisterwerke gewünscht. Es gibt sooo viel besseres, was wirklich jeder schonmal gehört hat, als das, was ungefähr die Hälfte von Fantasia ausmacht. Naja.
Hört sich jetzt alles sehr negativ an. Ganz so sollte es nicht rüberkommen. Ich bin froh, den Film endlich mal gesehen zu haben, und fand ihn auch schön. Nochmal brauch ich Fantasia aber nicht zu gucken. Bin mir nicht sicher, ob das Experiment von Disney wirklich so gelungen ist, wie die Verantwortlichen sich das gedacht haben. Hätten die so etwas regelmäßig veranstaltet oder geupdated (habe glaube ich mal irgendwann gelesen, dass etwas in der Richtung geplant war, aber verworfen wurde), zum Beispiel alle zehn Jahre ein neues Fantasia, dann hätte sich das finden und etablieren können. Aber bei diesem Versuch alleine, hmm, das wäre ich von vornherein doch sehr anders angegangen.


Pinocchio (1940)
Weiß nicht mehr, ob ich den vorher schon jemals von Anfang bis Ende gesehen hatte, aber falls ja, dann muss ich da noch dermaßen jung gewesen sein, dass nicht viel hängenbleiben konnte, denn erinnert habe ich mich nur an ein paar prägnante Szenen. Again, nicht optimal gealtert imho, wenn auch wesentlich besser als Schneewittchen. Die Handlung ist so basic und erhobener pädagogischer Zeigefinger, Schwarzweißmalerei usw., dass es heute irgendwie zu simpel gestrickt, ermüdend und zu einfach wirkt. Obgleich es in erster Linie für Kinder gedacht war, die sich über das Folgende nicht gewundert haben werden, fand ich die innere Logik des gezeigten Universums doch etwas gewöhnungsbedürftig - dort leben Menschen und sprechende Tiere offensichtlich Seite an Seite in der selben Welt, die sich am realen Vorbild orientiert o_O Allerdings hat Geppetto auch eine Katze und einen Fisch als Haustiere, die nicht sprechen können. Hä? Wäre es bei Jiminy Cricket geblieben, der afair mit niemandem sonst (abgesehen von Pinocchio und der blauen Fee) direkt interagiert, hätte ich das noch gerne abgekauft und die Tiere zwar als märchenhaft intelligent mit ein paar menschlichen Zügen, aber eben doch nur als Tiere wahrgenommen und verstanden. Stattdessen haben sie aber diesen verführenden Fuchs eingebaut, der Pinocchio auf die schiefe Bahn bringt, und die Integrität des Settings gleich mit ^^ Zu Disneys Verteidigung muss man anführen, dass ausgerechnet dieses bisweilen verwirrende, phantastische Element aus der literarischen Vorlage übernommen wurde - viele andere Dinge, die spannender gewesen wären, wie so oft allerdings nicht.
Ich weiß ja nicht, welchem Alter Pinocchio entsprechen soll, als er zum Leben erweckt wird, aber es fällt schon störend auf, wie dummdreist er zweimal hintereinander wider besseren Wissens und trotz Beratung von Jiminy völlig falsche Entscheidungen trifft sowie anschließend rumheult, weil sich seine Situation verschlechtert hat. Cautionary Tale hin oder her, als Protagonist fand ich diese Version der Puppe unsympathisch und einseitig. Selbst Naivität hat ihre Grenzen. Gibt bis heute definitiv die eine oder andere bessere Adaption des Stoffes (Ja, inklusive der Anime-Serie aus den 70ern!). Amüsiert haben mich die paar netten Nightmare-Fuel-Szenen wie die Esel-Verwandlung, die manchen Kids bestimmt heute noch Angst einjagen kann *g* Auch die Sklavenarbeit beim Wanderzirkus und so... Die Disney-Variante hat schon so einige düsterere Szenen als gewohnt, was ich als Pluspunkt werte. Technisch gibt es nix zu meckern und manche Einstellungen sind für ihre Zeit beeindruckend (Stichwort Parallaxenverschiebung für räumliche Tiefe). Hätte mir nur gewünscht, dass die Geschichte und ihre Charaktere verspielter und unterhaltsamer gewesen wären.
Derzeit sind übrigens diverse neue Filmadaptionen von Pinocchio in der Mache, darunter eine an der Gillermo del Toro arbeiten soll. Darauf wäre ich wirklich scharf. Hoffentlich gammelt das nicht noch ewig in der Development Hell herum.


Als nächstes sind noch Peter Pan, Dschungelbuch und Fantasia 2000 dran. Schauen wir mal, ob meine Liebe zu Disney erst wirklich ab den 80ern beginnt, oder ob ein paar der älteren Animationsklassiker aus Kindertagen mich doch auch heute noch überzeugen können.

Die Liste auf Seite 1 des Threads hab ich übrigens geupdated mit den letzten paar Erwerbungen oder nicht verfügbaren aber erwünschten Erweiterungen

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Ich wollte Fantasia und Pinocchio wirklich mögen, auch weil ich dann endlich was aus den 40ern gehabt hätte, aber es ging nicht. Glücklicherweise passierte das Folgende...

"Rehabilitation of Disney Animation" (Part 2)


Fantasia 2000 (1999)
Ich weiß, gehört hier durch das Erscheinungsjahr normalerweise nicht rein, aber der Vollständigkeit halber mach ich ne Ausnahme -_^ Fand ich viel besser als der erste. Blasphemie? Egal! Der Film war kurzweiliger, dynamischer, temporeicher, abwechslungsreicher, farbenfroher, die einzelnen Segmente (zumindest gefühlt) kürzer... Die verschiedenen Promis sind auch nicht ganz so nervig wie ein einzelner Typ, der durchs Konzert führt (Steve Martin hätte ich die ganze Laufzeit hindurch nämlich nicht ausgehalten). Die Animationen wurden außerdem besser auf die Musik abgestimmt und es gab insgesamt mehr Bombast. Am besten gefallen hat mir glaub ich der Teil mit Donald und der Arche Aber das letzte Stück war auch toll. Wenn das nochmal so werden würde, hätte ich nichts gegen eine Fortführung ^^ Wird wahrscheinlich aber nicht passieren, weil der Erfolg ausblieb.


Peter Pan (1953)
Hach, herrlich. Das hatte ich schon nicht mehr zu hoffen gewagt. Wollte den schon länger nochmal gucken, aber Freunde von mir immer so "Nee, Peter Pan ist soo lästig!", weshalb ich was anderem aus dem selben Hause den Vorzug gab. Hatte aber doch den richtigen Riecher. Das einzige, was vielleicht nicht so gut gelungen ist, wäre die not-so-politically-correct-anymore überzogene Klischee-Darstellung der Indianer (inklusive dem Song "Warum ist die Rothaut rot?"). Davon abgesehen wunderbares Abenteuerfeeling, verspielte Charaktere, schönes Charakterdesign, unterhaltsamer Bösewicht, nicht zu viel und nicht zu wenig Slapstick/Humor, und jede Menge Platz um tiefgründigere Dinge in die angerissenen Themen und Verhaltensweisen hineinzudenken. Da ich in letzter Zeit mehrere Adaptionen des Stoffes gesehen habe (darunter die Stummfilm-Fassung von 1924), muss ich an dieser Stelle doch nochmal betonen, dass die Disney-Version gewiss eine der besten Umsetzungen von Peter Pan ist, wenn nicht sogar die beste schlechthin. Pluspunkte gibts noch oben drauf dafür, dass die Musikstücke nicht so brutal in-ya-face gehauen oder überall hingepackt werden, wo sie im Grunde nicht nötig sind, wie in anderen und vor allem den späteren Broadway-Style Disneyfilmen (*hust* Frozen *hust*). Das hat richtig Spaß gemacht und wird auf jeden Fall noch auf BD besorgt


Das Dschungelbuch (1967)
Auch dieser war sehr gelungen und noch so, wie ich ihn aus dem Kino-Re-Release in Erinnerung hatte. Feiner Nostalgie-Trip mit den ganzen Songs, die ich ausnahmsweise alle noch gut kannte und die auch eingängiger und herziger sind als der durchorganisierte Studio-Kommerz-Pop der heutigen Titel. Der ganze Film wirkt einfach ehrlich und ist eine runde Sache. Das Ende mag ich bis heute ^^ Baloo und Bagheera sind tolle Identifikationsfiguren und Sympathieträger, zumindest für die älteren Zuschauer. In jungen Jahren hab ich vermutlich mehr Mowglis Perspektive verfolgt. Ein wenig überrascht war ich davon, wie antiklimaktisch und kurz der Kampf gegen Shere Khan doch eigentlich war. Das erschien mir als Kind wahnsinnig spannend und fesselnd - da kann man mal sehen, wie sehr sich die Wahrnehmung verschiebt. Hehe, und die Hypnoseversuche der Schlange Kaa, oder die exerzierenden Elefanten, oder King Louie in der Ruinenstadt... Das Setting mit den malerischen Urwaldhintergründen weiß ich inzwischen viel stärker zu schätzen


Ehre also gerettet. Hmm. Trotzdem ist mir irgendwie aufgefallen, dass ich mit Disneyfilmen mit Menschen oder zumindest sehr menschenähnlichen Charakteren in zentraler Position der Handlung meist weit mehr anfangen kann als mit den vermenschlichten Tieren. Und ich mag keine Hunde. Die Disney Animation Studios haben zu viele Filme hervorgebracht, in denen es um Hunde geht

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Revenge of the classic Disney Flick (Part 3)


Bambi (1942)
War ja ganz süß, aber ist mir dann doch etwas zu kitschig. Der Film hat fast keine Handlung. Oder besser gesagt, dafür, dass er die Lebensgeschichte der tierischen Hauptfigur erzählen und den Kreislauf des Lebens illustrieren will, passiert mir viel zu wenig, sodass die Geschichte fast wie in einem Fast-Forward-Modus erzählt und ansonsten nur aus den whimsical misadventures der Waldbewohner konstituiert wird. Das hat "Der König der Löwen" später alles tausendmal eindrucksvoller hingekriegt. Fun Fact am Rande: Jahrzehntelang war mir nie ganz klar, dass Bambi männlich ist


Cinderella (1950)
Ugh, sorry, ich fand den wirklich schwach. Erstmal hatte ich vor allem das Märchen erwartet, und keinen Film, der sich zur Hälfte mehr wie "Tom & Jerry" anfühlt! Sidekicks und Comic Relief schön und gut, doch mit den Mäusen und der Katze haben sie sich definitiv zu lange aufgehalten. Von den nervtötenden Stimmen der Mäuse fang ich besser gar nicht erst an. Alles andere folgt den alten Klischees, ohne dem eine besondere, eigene Note zu geben, aber ist gleichzeitig natürlich Opfer von früherer Disney-Weichspülung, damits auch familienfreundlich bleibt. Heh, mit dem Ende der Vorlage bzw. dessen geradezu sadistischer Genugtuung wäre der Film doch noch ganz unterhaltsam gewesen, schade. Auch in Sachen Animation und Stil hat man vor und ganz gewiss nach Cinderella schon besseres aus dem Hause Disney gesehen - vermutlich war es Absicht der Macher, aber ich war überrascht, wie steril, detailarm und lieblos die Umgebungen und Figuren aussehen. Da bevorzuge ich dann doch eindeutig Dornröschen, wenn schon gute Feen, Prinz und Prinzessin sowie Königreiche obligatorisch sind. Letzterer Film beschäftigte sich zwar auch zu viel mit seinen drei magischen Paten, aber sah durch seinen eigenständigen Märchenbuch-Look richtig gut aus und hatte natürlich den allseits bekannten Bad-Ass-Bösewicht durch Maleficent. Davon kann Cinderella nur träumen. Für mich heute überhaupt nicht mehr genießbar.


Die Hexe und der Zauberer /The Sword in the Stone (1963)
Der deutsche Titel ist mal wieder schlecht gewählt, taucht die Hexe aus dem Titel doch erst im letzten Viertel des Films auf (diesbezüglich ist der Originalname aber auch nicht viel besser). Der berühmte Verwandlungskampf wurde von Disney freizügig aus Lotte Reinigers Prinz Achmed (1926) übernommen, aber verstehen wir das mal als gut gemeinte Hommage und nicht als Plagiat. Hmm. Ansonsten war das hier leider auch nicht mein Bier, wobei ich mir das schon gedacht habe, weil ich den Film wenigstens teilweise noch aus der Erinnerung kannte. Sympathieboni gibts von mir für das vielversprechende Setting in den Dunklen Jahrhunderten bzw. England und die Artus-Sage.
Woran das Werk imho scheitert, ist seine Unterambitioniertheit, obgleich das vielleicht weitgehend daran liegen mag, dass es eine Literaturverfilmung ist, die sich nur an die Vorgaben hält. Jedenfalls hab ich, wenn ich Namen wie Merlin oder König Arthur höre, Geschichten von epischer Größe im Sinn. "Die Hexe und der Zauberer" dagegen bleibt total am Boden, dreht sein eigenes kleines Ding und ist mehr eine stark mit Slapstick angereicherte Komödie. Das kann ganz lustig sein, zumal es den Werdegang des späteren Königs beleuchtet, aber ist über weite Strecken auch ein bisschen langweilig (speziell im Vergleich zu anderen Disney-Klassikern), weil es keinen umfassenden, einrahmenden Konflikt und damit auch keinen Spannungsbogen im traditionellen Sinne gibt. Ja, die Handlung ist sogar episodisch aufgebaut und wäre meiner Meinung nach viel besser für eine TV-Serie geeignet gewesen. So wie es steht, sehe ich nur viel verschwendetes Potential, gerade in Bezug auf die beiden doch sehr sympathischen und gut getroffenen Hauptfiguren (Merlin und sein Schüler).
Animationstechnisch siehts auch eher ambivalent aus. Ich mag einerseits den etwas rauheren Stil mit weniger präzise umrandeten Zeichnungen, den man wenig später auch im Dschungelbuch fand. Andererseits fällt diesmal die Wiederverwendung von Material, das erst wenige Minuten zuvor gezeigt wurde, sehr negativ auf. Die Kids bemerken das vielleicht nicht als Zuschauer, aber unsereins schon. Da staunt Arthur zweimal identisch, der Ritter isst die gleiche Hähnchenkeule noch einmal usw. Das ist schon enttäuschend, wenn Disney, die in dieser Zeit doch eigentlich als die Könige der Animation galten, zu Copy & Paste greifen.
Nachtrag: Fast hätte ichs vergessen. Noch einen speziellen Minuspunkt gibts von mir als Geschi-Enthusiast dafür, dass der Film dazu beiträgt, den Irrtum zu verbreiten, die Menschen im Mittelalter hätten geglaubt, die Erde sei flach /eine Scheibe (was totaler Unfug ist). Zeugt nicht gerade von Intelligenz oder angemessener Recherche seitens der Produzenten, das Klischee hier so prominent vertreten zu bedienen. Hätte der Story auch nicht geschadet, wenn sie diesen kleinen Part einfach weggelassen hätten.

[KingPaddy]

Wir haben kürzlich im Seminar Metropolis besprochen, den ich persönlich immer einen ausgezeichneten Film trotz seines Alters fand. Es ging nicht um den Film en detail sondern den Aspekt künstliche Menschen. Allerdings ist die Plenumsdiskussion im Nachhinein etwas abgedriftet. Angeblich, was mir bis dato nicht so klar war, gilt der Film als protofaschistisches Machwerk. Meine jetzt erfolgte Recherche fand dafür zwar lautstarke aber kaum objektive Quellen, die dieser unsäglichen Logik der Rückprojektion späteren historischen Wissens folgen.

Bemängelt wurde uA die Absage an den Klassenkampf sondern eine evolutionäre Verbindung beider Seiten auch in völliger Missachtung der damals aktuellen gesellschaftlich-politischen Debatte einerseits als auch eben auch der Möglichkeiten der Arbeiterklasser andererseits. also ich fand das alles schon sehr abstrus.

Was mich daran jetzt eigentlich so beschäftigt, unabhängig von der Tatsache, dass ich das noch nicht wusste, war dann die Reaktion der Leute, die den Film gar nicht kannten und die in Gesprächen nach der Sitzung erkennen ließen, dass die Meinung dieser Leute ihnen den Genuss wohl in Zukunft verdorben hätte; außerdem dass diese Meinung eben unkritisch übernommen wurde, obwohl ich gerade nicht die Einschätzung teilen würde, dass wir jetzt alle protofaschistisch sind, obwohl der Klassenkampf ideologisch vom Tisch ist.


Da wird ein guter Film kaputt gemacht und niemand wagte zu widersprechen

[Enkidu]

Angeblich, was mir bis dato nicht so klar war, gilt der Film als protofaschistisches Machwerk. Meine jetzt erfolgte Recherche fand dafür zwar lautstarke aber kaum objektive Quellen, die dieser unsäglichen Logik der Rückprojektion späteren historischen Wissens folgen.

Bemängelt wurde uA die Absage an den Klassenkampf sondern eine evolutionäre Verbindung beider Seiten auch in völliger Missachtung der damals aktuellen gesellschaftlich-politischen Debatte einerseits als auch eben auch der Möglichkeiten der Arbeiterklasser andererseits. also ich fand das alles schon sehr abstrus.

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Jopp, hab ich auch schonmal was von gelesen (in Rotwang will mancher die Karikatur eines Juden gesehen haben ), aber finde ich genau wie du völlig an den Haaren herbeigezogen und überinterpretiert, und bin mir außerdem ziemlich sicher, dass solche Ansichten mindestens höchst umstritten sind. Die eigentliche Message von Metropolis ist herzlich simpel (um nicht zu sagen kitschig) und wird dem Zuschauer auf dem Silbertablett serviert bzw. direkt gesagt: "Mittler zwischen Hirn und Händen muss das Herz sein." There's not that much more to it.

Das mit den bekloppten oder zumindest viel zu weit gehenden Meinungen zum Film ist insbesondere durch die von dir bereits erwähnte historische Rückprojektion problematisch. Und sei dir gewiss: Das geht nicht nur Metropolis so, sondern gilt für einen Großteil aller Werke des deutschen Kinos und Expressionismus der Weimarer Zeit /den 20ern, in unterschiedlicher Intensität. Das Cabinet des Dr. Caligari kann davon ein Lied singen (Siegfried Kracauer: "From Caligari to Hitler"). Denn selbst wenn den Filmen positiv unterstellt wird, dass die Macher sich bewusst kritisch mit Autorität oder aufkommendem radikalen Gedankengut auseinandersetzten, werden die Arbeiten unverdient auf dieses eine Thema reduziert.
Dass bei einer so einseitigen Auslegungsrichtung viel von den Qualitäten des eigentlichen Kunstwerkes völlig auf der Strecke bleibt, steht außer Frage und ist traurig. So etwas kann einem wirklich die Lust daran verderben, aber ich würde mich davon nie entmutigen lassen. Es gibt immer wieder neue Generationen von jungen Filminteressierten (auch international), die diese Klassiker und oft Meisterwerke unvoreingenommen sehen, so wie sie wahrscheinlich ursprünglich gedacht waren, ohne dass gleich irgendwelche abwegigen Assoziationen aufkommen oder im Wege stehen würden. Und wenn man die meisten davon nachträglich auf solche Dinge anspricht, finden sie das entweder genauso abstrus wie wir, oder sind an diesen zu häufig in Rückschau konstruierten Facetten weit weniger interessiert als an dem Film an sich, der Story, den handwerklichen Details und dem großen Einfluss auf spätere Errungenschaften des Mediums. Jedenfalls lese ich das aus diversen Reviews und Kommentaren zu diesen Filmen heraus.

Auch wenn sich ein paar Forscher in der Vergangenheit sehr weitgehende Gedanken dazu gemacht haben, die manchmal mehr Beachtung erhielten als reputierlich war, kommt mir persönlich das ungefähr genauso sinnig vor, als würde man alle Hollywood-Filme der Nuller Jahre als Kommentar zu oder unter ideologischem Einfluss der Bush Administration begreifen und deuten >_> (und ja, solche Leute gibt es, aber die werden glücklicherweise nicht weiter beachtet).

Der Reputation scheint es im Laufe der Jahrzehnte jedenfalls nicht geschadet zu haben (siehe zum Beispiel nur mal die IMDb-Wertungen), was ich sehr beruhigend finde. Allgemein werden Filme wie Metropolis als bedeutende und wegweisende Klassiker geschätzt und das Thema eines angeblich vorweggenommenen Nationalsozialismus allenfalls als Randnotiz erwähnt.

Was mich daran jetzt eigentlich so beschäftigt, unabhängig von der Tatsache, dass ich das noch nicht wusste, war dann die Reaktion der Leute, die den Film gar nicht kannten und die in Gesprächen nach der Sitzung erkennen ließen, dass die Meinung dieser Leute ihnen den Genuss wohl in Zukunft verdorben hätte; außerdem dass diese Meinung eben unkritisch übernommen wurde, obwohl ich gerade nicht die Einschätzung teilen würde, dass wir jetzt alle protofaschistisch sind, obwohl der Klassenkampf ideologisch vom Tisch ist.

Da wird ein guter Film kaputt gemacht und niemand wagte zu widersprechen

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Warum hast du dich nicht eingeschaltet :-/? Okay, wenn man von den Hintergründen vorher noch nichts wusste, ist das natürlich schwierig bis unmöglich. Vielleicht hätte man deren Verständnis irgendwie relativieren können. Aber ich finde es auf jeden Fall auch sehr schade, dass anscheinend keine ausgewogene Disputation stattfand, in der genauso auf anderslautende Standpunkte hingewiesen wird. Erschreckend, dass die Leute das so unreflektiert geschluckt haben, ohne zu hinterfragen >_<

[KingPaddy]

Warum hast du dich nicht eingeschaltet :-/? Okay, wenn man von den Hintergründen vorher noch nichts wusste, ist das natürlich schwierig bis unmöglich. Vielleicht hätte man deren Verständnis irgendwie relativieren können. Aber ich finde es auf jeden Fall auch sehr schade, dass anscheinend keine ausgewogene Disputation stattfand, in der genauso auf anderslautende Standpunkte hingewiesen wird. Erschreckend, dass die Leute das so unreflektiert geschluckt haben, ohne zu hinterfragen >_<

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Zugegeben ganz unwidersprochen stands nicht. Ich habs versucht, war allerdings allein nicht sonderlich erfolgreich, weshalb ich mich da mal rausgenommen habe. Einmal war ich von der Aussage generell überrascht, weil mir der Film weder in seiner Ästhetik (was uA angeführt wurde) als auch in seiner Aussage sonderlich faschistisch rübergekommen.

Eines der Kernelemente war das Befremden der Leute über das Reaktionäre des Films nämlich das Setzen auf strukturerhalt (was so auch nicht richtig ist) statt auf Befreiung. Da habe ich versucht zu widersprechen, dass trotz der katholischen Symbolik hier eher eine protestantische Heils- und Arbeitsethik demonstriert wird (siehe Luther und die Bauernkriege), was allerdings gar nicht weiter aufgegriffen wurde. Stattdessen ging es eben darum das der Film den Status Quo propagiere (die soziale Evolution, die der Film eigentlich aufmacht in dem die Bedingungen für die Arbeiter verbessert wird, dass die Oberschicht einsieht, wie schrecklich es ihnen ergeht einerseits, andererseits selbst die Herzlosen erkennen, dass sie ohne die Arbeiter auch nichts erreichen, wurde dabei völlig unter den Tisch gekehrt, weil es vielleicht mit dem romantischen Bild der Selbstbefreiung durch Revolution kollidiert, man aber sagen muss, dass sowohl die ältere als auch die jüngere Geschichte mit eher negativen Revolutionserfahrungen heran zitiert wird aber eben auch der Status quo als solcher nicht sonderlich gut wegkommt. Immerhin wird die kapitalistische Ausbeutung mit einer der schrecklichsten Gestalten der Bibel - Moloch - assoziiert.

Die Massenszenen wurden kritisiert und vor allem die gezeigte Verführbarkeit der Masse. Das wurde interpretiert als der Mensch sei zu dumm für sich selbst zu denken und müsse geführt werden --> Führerstaat. Gleichzeitig man sich auch hier fragen muss, wenn die Verführbarkeit der Massen gezeigt wird, wäre das nicht (bleibt man mal in dieser Rückprojektionslogik) eher eine Warnung vor einem (Ver)führer? Wobei dann wieder angewandt wurde, dass die Figur des Mittlers eben stark auf die nationalsozialistische Mittlerrolle (aka Hitler) zugeschnitten sei, was ich allerdings auch nur als Frage der Interpretation befand. Aber nein der Meinung schlossen sich dann noch ein paar an.

Dann machte die Dozentin den Versuch den Film irgendwie in Schutz zu nehmen, erreichte aber eigentlich das gegenteil in dem sie sagte, dass Science Fiction relativ häufig ein eher konservatives Wertemodell vertrete, auch hinsichtlich von Ordnung und Unordnung und nannte als Beispiel zum beispiel Star Wars. Das das also gar nicht so ungewöhnlich sei, in einem sonst so progressiv wahrgenommenen Genre. Allerdings, ich würde sagen, dass das nicht ihre Absicht war, klang es natürlich eher negativ, als wäre die Science Fiction sich an der Stelle eher selbst untreu.

Dann kam ich auch schon nicht mehr dran, weil die Zeit zu weit fortgeschritten war und wo sich dann noch drei Leute die Bälle zuspielten, dass der Film auch anti-liberal und anti-individualistisch sei, einmal weil die Arbeiter und die "Denker" klar getrennt sind, also damit suggeriert wird, dass die Arbeiter für sich nicht selbst denken können und das sie eben nur die Hände sind und das das eben unserem MEnschenbild entgegensteht, wo jeder beides sein kann bzw. immer auch beides ist und das der Film sich eben damit abfindet, dass die Arbeiter keinen sozialen Aufstieg brauchen, solange es ihnen in ihrer gegebenen Position soweit gut geht.
Auf der anderen Seite und da wird noch einmal auf die Massenszenen angespielt verschwinden hinter der Masse eben die Individuen, die gar nicht mehr für sich allein stehen, sondern nur noch austauschbarer Teil ihrer jeweiligen Gruppen sind, womit dann auch wieder auf die Volksgemeinschaft der Nazis hin gedacht wurde.

Dazu wollte ich noch einwenden und dazu kam es ja eben dann nicht mehr, dass das so wäre als würden wir den Menschen im 16. Jahrhundert vorwerfen noch nie etwas von Feminismus gehört zu haben und das man schauen muss, was zu der Zeit überhaupt denkbar war. Der Film setzt sich ja mit der damals herrschenden Klassenkampflogik gerade auseinander und eben die "progressiven" Kräfte, die auf Revolution setzen, dachten eben auch nur im Bezugsraum der Klassen, wie wir sie hier dargestellt sehen und denen wäre der Gedanke mindestens ebenso abstrus erschienen die Arbeiter zur Burgeoisen zu machen, sondern stattdessen diese zu beseitigen, während die Burgeoisie eben um ihre bis dato bestehenden Vorrechte und gegen jegliche allzu starken Rechte der Arbeiter ankämpfte. Da ist diese Vermittlungsaussage (ich denke der Kitsch-Vorwurf der Zeitgenossen ist damit erklärlich, da die sicher Parteilichkeit für die eine oder andere Seite erwartet haben) dann wirklich revolutionär, gerade auch weil sie eigentlich so simpel erscheint, obwohl sie gerade in ihrer Umsetzung schwieriger ist, als die beiden anderen, die es sich dann eher leicht machen, die gegenseite zu vernichten/ unterdrücken.
Also einerseits stand von den gesellschaftlichen Rahmenbedingungen Selbstverwirklichung über die angestammten Milieus hinaus, eher nicht großflächig auf dem Plan, auf der anderen Seite befinden wir uns gerade knöcheltief in der aufgewühlten Massengesellschaft, wie Carl Schmitt und andere sie ihrer Zeit diagnostizierten und das Individuum, was gerade kritisiert wird, in den Prozessen des modernen Zeitalters zerrieben wird, was ja auch andere Filme der Zeit ebenso kritisch beleuchten wie Chaplin in Modern Times und Metropolis das ja ebenso tut, in den Szenen an den Maschinen. Man da also unterschlägt, dass die Massengesellschaft nicht durch die Nazis geschaffen wird sondern durch Kollektivierung zu steuern versucht wird, was die Kommunisten ebenso wollten und als politische Antwort auf ein wahrgenommenes Problem der Zeit verstanden werden sollte.

Aber wie gesagt das ging dann nicht mehr, weil die Zeit zu weit vorangeschritten war und vermutlich hätte mir die Dozentin dann womöglich wegen der zu großen Ausführlichkeit mitten drin das Wort abgeschnitten

Schlussendlich ist die oberflächliche Logik den Film als Silberstreif des aufziehenden Faschismus zu deuten, vermutlich für sich erstmal einfach sehr eingängig und klingt erstmal logisch und nachvollziehbar, weshalb da viele dann aufgesprungen sind, gerade auch weil einige der Meinungsstärksten Leute aus dem Kurs da mehr oder weniger voll mitgegangen sind.

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Andere Sache: Hast du dir eigentlich mal Herr der Fliegen angeschaut?

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Was ich in letzter Zeit so gesehen hab... Meine Güte, es scheint echt unmöglich zu sein, was Gutes für 1974 zu finden! Für meinen Geschmack ist da echt nur Murks rausgekommen. Klammere mich an jeden Strohhalm und bin nach Sichtung oder Auffrischung von Erinnerungen nur wieder niedergeschlagen >_> Dafür gab es Angenehmes aus dem Jahre 1973 zu berichten


Mein Name ist Nobody /Il mio nome è Nessuno (1973)
Da sieht man mal, dass man sich nicht zu sehr auf Reminiszenzen aus ferner Kindheit verlassen sollte. Die einzige Erinnerung, die ich an den Film hatte, war eine negative aus grauer Vorzeit. Glaube, damals war mir der Film nicht "bunt" und actionreich/aufregend genug (wobei es möglich ist, dass ich das einfach mit "Nobody ist der Größte" oder so verwechsel, obwohl der abgesehen vom Schauspieler der Hauptrolle genau genommen gar nichts mit diesem hier zu tun hat - wurde in der deutschen Version so genannt, um ein Sequel vorzugaukeln). Ah ja, und das geniale Lied Mucchio Selvaggio kannte ich natürlich noch und war fest integrierter Bestandteil meiner Filmmusik-Sammlung ^^
Jetzt, mit einem ganz anderen Bewusstsein, hat mich My name is Nobody positiv überrascht. Terence Hills Figur ist ebenso sympathisch wie sein Co-Star Henry Fonda, obwohl die beiden Charaktere grundverschieden sind. Der Ansatz mit dem "Fanboy", der seinem Helden einen letzten großen Abgang verschaffen will, damit dieser unsterblich wird, ist für einen Western richtig originell und mal was anderes! Kann mich nicht erinnern, das irgendwo anders schonmal gesehen zu haben (die Idee ist übrigens von Sergio Leone höchstpersönlich). Auf einer Meta-Ebene ist das umso faszinierender, weil Fonda ja selbst zu der Zeit nicht mehr der jüngste war.
Der Schnitt und einige Szenen wirkten ein wenig holprig, ein paar Einstellungen scheinen mir zu kurz oder zu lang, aber das macht nix. Was wie immer wirklich viel rausreißt ist Ennio Morricones großartige Musik. Besonders das oben verlinkte Thema der Wilden Horde begeistert mich - gibt dem Geschehen on-screen immer neuen Schwung, wenn es auftaucht. Da verzeiht man gerne ein paar kleine und große Handlungslöcher (die Wilde Horde selbst war wirklich mehr Mittel zum Zweck, nur eine gesichtslose Masse). Setting bot auch mehr Abwechslung als ich dachte. Vor allem der Teil mit dem Jahrmarkt war cool, Spiegelkabinett usw.. Mein Name ist Nobody wird beizeiten auf jeden Fall noch gekauft.


High Plains Drifter /Ein Fremder ohne Namen (1973)
Even better! Ich liebe dieses wohlige Gefühl, einen richtig guten Film zu entdecken, von dessen Existenz ich bis dahin noch gar nicht wusste. Bin froh, diesem Werk eine Chance gegeben zu haben. Einer von Eastwoods ersten eigenen Regiearbeiten, und was für eine. Handwerklich betrachtet wirkt High Plains Drifter so hochprofessionell, dass er glatt 15 Jahre später entstanden sein könnte. Was mich aber am meisten daran begeisterte, ist die Story und der Stil. Die Geschichte dreht sich zwar um den klassischen Western-Trope des Fremden, der in die Stadt kommt, aber bietet dabei einen Hauch von Mystery und Surrealismus. Gewissermaßen handelt es sich um eine Art Geistergeschichte. Hier muss man aber das englische Original und die Synchronfassungen auseinanderhalten, denn unter anderem im Deutschen wird am Ende alles halbwegs logisch mit einer geänderten Dialogzeile aufgeklärt (Der Fremde war der Bruder des ermordeten Marshals). Die war zwar auch ganz cool wegen Aha-Erlebnis und so, außerdem nicht an den Haaren herbeigezogen, da dieses Ende auf früheren Drehbuchentwürfen basiert, aber das Original gefällt mir noch etwas besser, weil es ambivalenter bleibt und man sich selbst Gedanken machen muss (Ein Geist? Der Tod selbst? etc. Schließlich löst er sich am Ende in der Ferne auch praktisch in Luft auf). Zu diesen Themen passt übrigens auch der ab und zu im positiven Sinne schaurige Soundtrack.
Geht um einen Fremden (Clint Eastwood), der in eine kleine, an einem See gelegene Stadt namens Lago kommt. Die hat Angst vor drei Verbrechern, die bald aus dem Knast entlassen werden und sich an dem Ort brutal rächen wollen. Die Einwohner engagieren den Fremden, der die drei plattmachen und die Leute vorbereiten soll, dafür geben sie ihm alles, was er verlangt. Der Typ benimmt sich teils ziemlich großspurig bzw. daneben und hat eigene Pläne, sodass die Bürger der Siedlung, die selbst durch ein dunkles, beschämendes Geheimnis Dreck am Stecken haben, sich fragen, ob sie auf den richtigen Mann gesetzt haben. Auf deren Treue wird der Fremde nicht bauen können. Besonderes Lob: Alle Bürger sind mehr oder weniger ausgearbeitet, auf jeden Fall keine bloßen Statisten. Geil außerdem: Später bereitet der Fremde die drohende Ankunft der drei Gangster vor. Dazu wird die ganze Stadt rot angemalt und von Lago in HELL umbenannt Das sieht alleine schon in Sachen Set-Design (wurde alles für den Film dreidimensional komplett gebaut) total abgefahren aus. Eastwood sagte beim Dreh zu Cast & Crew dann ständig nur noch "Go to hell!" ^^'
Kleine Warnung sollte ausgesprochen werden: Der Film ist nicht ganz ohne und enthält ein paar heftige Szenen, darunter auch genau genommen anderthalb Vergewaltigungen (mit dem Protagonisten als Täter o_O), wobei das durch Art und Verhalten des Opfer-Charakters im Rahmen der Story ein wenig relativiert wird. Hmm... wundert mich trotzdem nicht, dass der Film leider immer noch nicht bei uns auf BD oder sonst irgendwie offiziell fürs Heimkino veröffentlicht wurde. Gibt aber eine italienische BD, die unter anderem sogar die deutsche Synchro enthält, und genau die werde ich mir demnächst zulegen.


Zwei wie Pech und Schwefel /...altrimenti ci arrabbiamo! (1974)
Oben schrieb ich davon, wie trügerisch Kindheitserinnerungen sein können, und dass etwas gut sein kann, von dem man dachte, es sei schlecht. Stellt sich heraus - das geht unglücklicherweise auch andersherum >_< Kam auf die Idee, bei den Filmen von Bud Spencer & Terence Hill zu suchen, die ich an ewig zurückliegenden Wochenenden fast alle mal irgendwann gesehen habe. Zwei wie Pech und Schwefel wurde auf mehreren Listen als einer der besten genannt, und bei dem hatte ich auch noch mit am besten im Kopf, worum es eigentlich geht, inklusive diverser Szenen. Dass mich Klamauk und vergnügliche Prügeleien erwarten würden, war mir auch schon vorher klar. Doch ich hatte ehrlich mit ein wenig mehr Inhalt gerechnet. Die Handlung ist papierdünn und nur dazu da, um die ulkigen Eskapaden des rivalisierenden Duos über einen roten Strandbuggy mit gelbem Verdeck (!) zusammenzuhalten, was sich auch in den Dialogen widerspiegelt, von denen bloß das absolute Minimum vorhanden ist. Ich verlang nicht viel, vor allem nicht bei dieser Art von Geschichte, aber da hätte es doch ein wenig mehr von allem sein dürfen. Auch die Kostüme, Drehorte usw. wirken wie spontan zusammengesucht, ohne dass irgendwelche Mühe oder Geld dort hineingeflossen wäre. Schade. Ein paar Stellen finde ich immer noch wunderbar und komisch, aber insgesamt war das hier leider eine Niete. Ein oder zwei weitere Filme von den beiden werde ich mir wohl trotzdem noch geben.


Der Pate (1972)
Nun auch endlich mal diese Bildungslücke geschlossen. Hatte mich immer drum herum gedrückt, weil ich mir dachte, dass das inhaltlich nix für mich ist - leider zu recht. Handelt sich nunmal wirklich um ein pures Drama, und mit denen konnte ich noch nie so viel anfangen. Ich mein - ich erkenne schon an, dass das ein guter Film ist. Vor allem die Schauspieler waren klasse. Aber der ganze Hype? Nee. Sei es das Thema und Setting, oder einfach nur meine etwas moderneren Sehgewohnheiten was Unterhaltung angeht, aber Der Pate hatte für meinen Geschmack viele Längen, die zwar oft die Tiefe der Charaktere ein bisschen erweitern konnte, nicht aber die Handlung. Und dabei war man als Zuschauer schon gefordert, aufmerksam zu bleiben, weil man sonst den Überblick verliert. Konnte man sich mal geben, aber ist nichts, was ich mir jemals nochmal anschauen wollen würde. Mich beschleicht das Gefühl, dass ich The Godfather um einiges besser gefunden hätte, wenn er wenigstens eine halbe Stunde kürzer gewesen wäre. So wie es ist, wurde imho etwas mit Höhepunkten gegeizt.


Der Pate 2 (1974)
Puh. Der erste Teil war trotz einiger Schwächen meiner Ansicht nach immerhin noch eine runde Sache. Ich wusste schon seit Jahren, dass der zweite Film gleichzeitig ein Sequel und über Rückblenden auch ein Prequel darstellt, und auf dem Papier finde ich diesen Ansatz faszinierend und verheißungsvoll. Aber dieser Film, angeblich einer der besten aller Zeiten, hat mich wirklich enttäuscht. Vielleicht muss man einfach "drin" sein in der Materie, um das genießen zu können? Ich habe mich gelangweilt, was einerseits an dem Pacing aus der Hölle lag, andererseits daran, dass Part 2 die Manifestation des Adjektivs convoluted darstellt.
Hier habe ich endgültig die Übersicht verloren, wer wann für wen welche Leute hat umbringen lassen, was so weit ging, dass es mir irgendwann völlig egal wurde. Ich hab nichts gegen epische Hintergründe mit verschiedenen, rivalisierenden Familien usw., aber wenn man ein großes Ensemble hat, dann muss man dem Zuschauer dieses nahe bringen und ohne nennenswerte Verwirrungen begreiflich machen. Ich hatte später deutliche Probleme, die einzelnen Charaktere abseits der Corleones noch sinnvoll zuzuordnen. Ich mein, ich muss bei Filmen nicht von Anfang bis Ende an die Hand genommen werden und alle Infos mit dem Löffel eingetrichtert bekommen, aber es spricht schon irgendwie für sich, dass dieses Werk so gut wie gar nicht funktioniert, wenn man nicht wenigstens den Vorgänger gesehen hat.
Die Rückblenden waren zwar nicht schlecht, weil sie mit der historische(re)n Kulisse für ein wenig mehr Abwechslung sorgten, aber handlungstechnisch haben diese Abschnitte nach meinem Gefühl immer nur die zweite Geige gespielt. Darüber hinaus stellte ich mir bei der Beschreibung des Konzeptes vor, dass die Prequel und Sequel Abschnitte intelligent miteinander verknüpft und verwoben sind, sodass sie zusammenspielen und die früheren Geschehnisse die Gegenwart beeinflussen. Das war aber allenfalls sehr bedingt der Fall. Bestimmt habe ich ein paar Nuancen verpasst, aber das hing gewiss nicht so sehr zusammen, wie ich es mir gewünscht hätte, wenn denn überhaupt. Man könnte aus Part 2 auch locker zwei Einzelfilme machen und würde nicht viel an Subtext und Synergie verlieren. Oft schien mir das völlig losgelöst voneinander. Interessant außerdem, dass De Niro dafür den Oscar als bester Nebendarsteller bekommen hat. Nicht dass er schlecht gewesen wäre, ganz im Gegenteil, aber viel zu tun hatte er auch nicht und daher kaum Gelegenheit, um mit seinem Können zu begeistern (Ganz lustig aber, dass das das erste und bisher einzige Mal war, dass zwei verschiedene Schauspieler für die gleiche Rolle einen Academy Award bekommen haben - zwei Jahre zuvor Brando ebenfalls als Vito Corleone).
Am schlimmsten war jedoch das Erzähltempo bzw. die Länge. Ich hab nicht kategorisch was gegen Filme, die fucking dreieinhalb Stunden lang gehen, aber das sollte die Ausnahme bleiben und dann auch inhaltlich begründet sein! Hier ist das für mich einfach nicht der Fall. Wie gesagt, man hätte ebensogut zwei Filme draus machen können. Manche Szenen ziehen sich eeewig hin um endlich auf den Punkt zu kommen. Am Ende war ich der Meinung, dass da bestimmt irgendwo ein guter Film im Material drinsteckt, aber Francis Ford Coppola so tief in seiner Geschichte versunken war, dass er zu viel von dem Zeug mit reingepackt hat, anstatt sich auf den Kern der Sache zu beschränken. Daher hier, ähnlich wie beim Vorgänger, aber in einer heftigeren Größenordnung: 45 Minuten weniger, und ich wäre geistig am Ball geblieben.
Auf den dritten Part, der nach einhelliger Meinung nicht so toll sein soll wie die ersten beiden, habe ich dann schließlich gänzlich verzichtet. Schon die vorangegangenen sechseinhalb Stunden kamen mir wie Zeitverschwendung vor. Und tatsächlich eher wissen hätte ich das nicht können - bei so universell hohen Wertungen wo man auch hinschaut, sollte man vermuten dürfen, dass für jeden irgendetwas dabei ist. Naja.


Demnächst möchte ich nochmal Lady Snowblood schauen.

Die Massenszenen wurden kritisiert und vor allem die gezeigte Verführbarkeit der Masse. Das wurde interpretiert als der Mensch sei zu dumm für sich selbst zu denken und müsse geführt werden --> Führerstaat. Gleichzeitig man sich auch hier fragen muss, wenn die Verführbarkeit der Massen gezeigt wird, wäre das nicht (bleibt man mal in dieser Rückprojektionslogik) eher eine Warnung vor einem (Ver)führer? Wobei dann wieder angewandt wurde, dass die Figur des Mittlers eben stark auf die nationalsozialistische Mittlerrolle (aka Hitler) zugeschnitten sei, was ich allerdings auch nur als Frage der Interpretation befand. Aber nein der Meinung schlossen sich dann noch ein paar an.

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Heh, wenn man danach ginge, symbolisiert und thematisiert so ziemlich jeder zweite Sci-Fi-Film den Nationalsozialismus *schulterzuck* Worauf du ja selbst schon indirekt hingewiesen hast.

Dazu wollte ich noch einwenden und dazu kam es ja eben dann nicht mehr, dass das so wäre als würden wir den Menschen im 16. Jahrhundert vorwerfen noch nie etwas von Feminismus gehört zu haben und das man schauen muss, was zu der Zeit überhaupt denkbar war. Der Film setzt sich ja mit der damals herrschenden Klassenkampflogik gerade auseinander und eben die "progressiven" Kräfte, die auf Revolution setzen, dachten eben auch nur im Bezugsraum der Klassen, wie wir sie hier dargestellt sehen und denen wäre der Gedanke mindestens ebenso abstrus erschienen die Arbeiter zur Burgeoisen zu machen, sondern stattdessen diese zu beseitigen, während die Burgeoisie eben um ihre bis dato bestehenden Vorrechte und gegen jegliche allzu starken Rechte der Arbeiter ankämpfte. Da ist diese Vermittlungsaussage (ich denke der Kitsch-Vorwurf der Zeitgenossen ist damit erklärlich, da die sicher Parteilichkeit für die eine oder andere Seite erwartet haben) dann wirklich revolutionär, gerade auch weil sie eigentlich so simpel erscheint, obwohl sie gerade in ihrer Umsetzung schwieriger ist, als die beiden anderen, die es sich dann eher leicht machen, die gegenseite zu vernichten/ unterdrücken.
Also einerseits stand von den gesellschaftlichen Rahmenbedingungen Selbstverwirklichung über die angestammten Milieus hinaus, eher nicht großflächig auf dem Plan, auf der anderen Seite befinden wir uns gerade knöcheltief in der aufgewühlten Massengesellschaft, wie Carl Schmitt und andere sie ihrer Zeit diagnostizierten und das Individuum, was gerade kritisiert wird, in den Prozessen des modernen Zeitalters zerrieben wird, was ja auch andere Filme der Zeit ebenso kritisch beleuchten wie Chaplin in Modern Times und Metropolis das ja ebenso tut, in den Szenen an den Maschinen. Man da also unterschlägt, dass die Massengesellschaft nicht durch die Nazis geschaffen wird sondern durch Kollektivierung zu steuern versucht wird, was die Kommunisten ebenso wollten und als politische Antwort auf ein wahrgenommenes Problem der Zeit verstanden werden sollte.

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Toll formuliert, stimme ich absolut zu. Ein paar Dinge davon sind mir zwar aufgefallen, aber habe denen nicht genug Beachtung geschenkt. Fest steht: Der Film ist nicht in einem gesellschaftlichen Vakuum entstanden. Wie bei jeder Quellenanalyse ist der historische Kontext wichtig, und hier wäre es idiotisch, die unruhigen Weimarer Jahre nachträglich auf ein "Vorspiel zur Nazi-Diktatur" zu reduzieren. Sie war weit mehr als das, denn andernfalls hätten wir nicht diesen Film, der selbst als wunderbares Zeitdokument für sich steht.

Andere Sache: Hast du dir eigentlich mal Herr der Fliegen angeschaut?

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Nee. Aber ich weiß worum es geht und glaube, das würde mir nicht so gut gefallen :-/

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Bezüglich der Veröffentlichung von High Plains Drifter muss ich mich korrigieren: Es gibt eine deutsche Blu-ray, die vor ca. drei Jahren von Universal rausgebracht wurde. Da der Film hier jedoch indiziert (bzw. ab 18 in Österreich?) ist und man ihn in den meisten Läden folglich nicht einfach so bekommen kann, ist die Disc so verdammt selten. Gibt dennoch Mittel und Wege, das legal aufzutreiben, von denen ich beizeiten Gebrauch machen werde. Da richtet sich die Frage nach Import oder nicht (USA, Frankreich, Italien) doch eher nach der Covergestaltung ^^ Diese dicken roten Flatschen sind halt immer ein Ärgernis :-/ Deutsche Tonspur hätte ich schon gerne dabei, aber die fehlt anscheinend ausgerechnet bei der US-Version. Mal gucken.

Folgeindiziert wegen "unreflektierter Selbstjustiz-Thematik" my ass. Find ich immer wieder bedenklich und widerlich, was die Zensurbehörde BPjM da mit mehr als löchriger Argumentation an echten Kunstwerken verbietet, während weit heftigere Filme freigegeben werden. Hier wäre ein ganz normales FSK 18 absolut angemessen. High Plains Drifter ist jetzt vielleicht nicht Care Bears, aber alles andere als schlimm. Da ist jeder Tarantino drastischer und grausamer. Dieser Fall regt mich nun besonders auf, da es sich nach einhelliger Meinung um eine von Eastwoods besten Arbeiten handelt.

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Rio Bravo (1959)
Meine Güte, Style in dem Genre hat sich wohl erst im Laufe der Jahrzehnte entwickelt. Denn das hier empfand ich als sterbenslangweilig. Keine Ahnung, woher die ganzen positiven Bewertungen zu diesem vermeintlichen Klassiker kommen. Hab auf Englisch geschaut und der Film ist so langsam, dass es einem fast wie Zeitlupe vorkommt, was sich auch auf die Dialoge bezieht, von denen gefühlt die Hälfte völlig irrelevant für die Handlung und nur Filler sind. Der peinliche Humor (teilweise wird "Comedy" als weiteres Genre für den Film gelistet, das war mir früher nie klar) ist dümmlich, wie aus einem uralten Cartoon, aber steht wenigstens nicht oft im Vordergrund. Die Kamera starr und theaterbühnenmäßig. Hab nichts gegen charakterorientierte Geschichten, im Gegenteil, aber wenn die Charaktere ausnahmslos alle uninteressant-eindimensional und/oder unsympathisch und/oder hochgradig nervig sind, bringt das auch nichts. Mich kotzt schon die Art und Weise an, wie die reden. Überhaupt zu simpel und ohne echte Spannung oder gar Action. Würd auch nicht so nörgeln, wenn es zu der Zeit oder kurz danach nicht schon weitaus Besseres an filmischen Western-Ergüssen gegeben hätte (vgl. zum Beispiel "Die glorreichen Sieben"). Rio Bravo war einer der wenigen Filme, die ich nach der Hälfte abgebrochen habe, weil es mir wie Zeitverschwendung vorkam und ich bis dahin mit Sicherheit wusste, dass mir das auch nach voller Laufzeit nicht gefallen würde.


Der schwarze Falke /The Searchers (1956)
Siehe oben. Etwas besser weil ernsteres Thema und aufgrund von höherem Abenteuer-Faktor sowie schönen Landschaftsaufnahmen (Monument Valley), aber das war es dann im Grunde auch schon. Den hohen Stellenwert verdient dieses Werk imho nicht. Langatmig, keine brauchbaren Figuren dabei, der Protagonist sogar richtig arschig, engstirnig und rassistisch (wie Wayne selbst offenbar im realen Leben, übrigens). Ein Film der sich so stark auf einen zentralen Typen konzentriert, den man aber kein bisschen leiden kann, hat für mich schon verloren. Als wirklich ausgearbeitet (oder gar "vielschichtig", wie manche behaupten) empfand ich seinen Charakter auch nicht, dazu muss man schon einiges zwischen den Zeilen lesen. Die einseitige Darstellung der bösen Comanchen sehr klischeehaft. Manchmal war es schwierig, den Dialogen zu folgen, was bei der simplen Story aber kein wirkliches Problem ist. Ebenfalls hinterher nur noch durchgezappt.

Mein erster Eindruck von Der Mann der Liberty Valance erschoss (1962) war nur marginal weniger lame, aber technisch für seine Zeit noch wesentlich primitiver, weshalb ich mir das gleich gespart habe :-/ Bestätigt alles generell meine Vermutung anhand von verblassten Erinnerungen, dass ich John Wayne absolut nicht ausstehen kann. Wenn schon Western, so scheine ich aus den hier behandelten Zeiträumen ausschließlich was mit dem härteren und cooleren Italokram anfangen zu können, dessen einzelgängerische Antihelden (die manchmal eben doch irgendwo noch ein Herz haben) ich wesentlich ansprechender finde.

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Sabata /Ehi amico... c'è Sabata. Hai chiuso! (1969)
Geht so. Lee Van Cleef ist immer charismatisch unterhaltsam, diesmal war mir die Darstellung seiner Figur aber irgendwie zu überlegen für meinen Geschmack. Hab kein Problem damit, wenn der Protagonist alle Fäden in der Hand hält und die Leute gegeneinander ausspielt, aber das sollte niemals so weit gehen, dass man das Gefühl bekommt, er sei nie wirklich in Gefahr. Die ausgefallenen Sidekicks für den Helden waren mal was anderes, ebenso der Rivale Banjo. Diese gaben dem Film aber auch einen Anflug von Albernheit und Comedy. So richtig ernst schien sich die Geschichte nicht immer zu nehmen, und manche Abschnitte der Handlung plätscherten zu sehr vor sich hin.
Ich finds kurios, wie sehr Sabata deshalb von meiner Erwartungshaltung abwich. Verglichen mit dem, was ich hier sonst schon so an Italowestern behandelt habe, war das hier noch relativ familienfreundlich und ulkig. Hatte mir was erhofft, das ein bisschen edgier ist. Der Film versuchte sich imho tonal an etwas Ähnlichem wie vier Jahre später der deutlich bessere "Mein Name ist Nobody". Letzterer funktionierte auch deshalb so gut, weil die Hauptfigur das Geschehen mit seinen flotten Sprüchen untermalte und die Interaktion zwischen ihr und anderen so viel Spaß machte. Das Paradoxe bei Sabata ist nun, dass zwar vergleichbar augenzwinkernd verfahren wird, aber der Titelheld im Gegensatz zu Nobody ein ziemlich stiller und geradliniger Typ ist. Naja.
Musik war nicht der Rede wert. Bonuspunkte gibts aber für die schönen technischen Spielsachen bzw. getarnten Waffen. Pistole in Tasche mit Zugband eingebaut, Mini-Revolver in Schaft von Revolver (ich bezweifle, dass so etwas damals in der Größe machbar war, aber egal weil abgefahren), Kombination aus Gewehr und Banjo...


Chinatown (1974)
Nein, meinen 74er Film habe ich hiermit nicht gefunden. Ist normal nicht so mein Genre, aber dachte ich versuch es mal, und tatsächlich zog mich die Story von Chinatown anfangs in ihren Bann. Wie der junge Privatdetektiv (Jack Nicholson) immer tiefer in das Gewirr aus Lügen und Vertuschung gerät und dabei diverse Geheimnisse aufdeckt. Aber diese Begeisterung ließ etwa ab der Hälfte nach und das Ende empfand ich als höchst unbefriedigend, weil da irgendwie der Pay-off und ein richtiger Schluss fehlte. Dachte außerdem, die Handlung würde noch ein paar mehr Überraschungen bereit halten, aber die Inzest-Sache war dann im Grunde schon der große Haken. Sehr schade. An sich mag ich im Grunde viele Elemente aus dem Film Noir /Neo-Noir Stil bzw. solche rauchigen Detektivgeschichten, aber Chinatown erschien mir nicht so richtig rund. Jemand sollte diese Tropes und Themen auch heute öfters mal wieder mit ein bisschen gut platzierter Action und gerne auch genreübergreifend mit Science Fiction Kram verbinden, ist bis jetzt fast immer nur Gutes bei rumgekommen.

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Der Gehetzte der Sierra Madre /La resa dei conti (1966)
Soll einer der besten Non-Leone-Spaghettiwestern sein. Hat mir auch gefallen. Lee Van Cleef spielt eine Art Kopfgeldjäger mit politischen Ambitionen, der hinter einem Mexikaner und angeblichen Vergewaltiger und Kindsmörder her ist. Im Zuge der Jagd mit ihren Höhen und Tiefen - der Gesuchte kann immer wieder entwischen - kommen dem unerbittlichen Verfolger langsam Bedenken. Alles gipfelt in einem recht ansehnlich stylishen Showdown am Ende (vgl. Bedeutung Originaltitel sowie englische Version) vor natürlich-steiniger Kulisse, der ganz anders läuft, als man anfangs noch gedacht hätte. Musik von Meister Morricone, need I say more?


Der Tod ritt dienstags /I giorni dell'ira (1967)
Was für ein blöder Titel, der nichts mit dem Film zu tun hat. Da finde ich den englischen Namen "Day of Anger", im Großen und Ganzen die korrekte Übersetzung des Originaltitels, viel passender. Die Geschichte wie gewohnt eher einfach gestrickt, aber nicht ohne Reiz. Alternder Revolverheld, den ich jetzt der Einfachheit halber mal Lee Van Cleef nenne, kommt in eine Stadt und nimmt einen jungen, mittellosen Mann unter seine Fittiche, der von den fiesen Stadtbewohnern immer nur schikaniert worden ist. Letzterer eifert seinem Vorbild nach, begleitet ihn und nimmt einige wertvolle Lektionen mit. Durch einige Wendungen kehrt der Revolverheld in den Ort zurück und gewinnt dort an Macht. Doch so langsam scheint der Schüler den Meister zu überflügeln...
Film war gut. Am Anfang war ich noch nicht so überzeugt, aber im Laufe der Zeit wirds immer interessanter und spannender. Gerade das Zusammenspiel der beiden Hauptfiguren macht den Kern des Films und der Erzählung aus. Der junge Mann macht in der Laufzeit von nur anderthalb Stunden eine nennenswerte Entwicklung durch und wir als Publikum hinterfragen mehr als einmal die Motive der Charaktere. Der von Lee Van Cleef gespielte Kerl zum Beispiel wirkt anfangs total sympathisch, weil er den Jungen in Schutz nimmt, aber nach und nach, vor allem wenn die Bürger auf letzteren einreden, er solle gegen seinen Mentor vorgehen, kommen einem Zweifel.
Der Soundtrack ist auch nicht übel, obwohl Morricone ausnahmsweise mal nicht seine fähigen Finger im Spiel hatte :P Hier noch der old-school Trailer, falls es jemanden interessiert.


Keoma aka "Keoma - Melodie des Sterbens", "Keoma - Melodie des Todes", "Keoma - Ein Mann wie ein Tornado" oder "Django rides again" (1976)
Okay, ich bin offiziell beeindruckt. Einer der letzten, späten Italowestern und mit Franco Nero (der Original-Django) in der Hauptrolle. Aber meine Güte, der Film ist der Inbegriff von experimentell und innovativ, wenigstens auf dieses Genre bezogen, und technisch, handwerklich und erzählerisch höchst ungewöhnlich, interessant und in manchen Aspekten überdurchschnittlich gut. Meine jetzt gar nicht so sehr die Geschichte an sich, die ist eher simpel: Zotteliges Halbblut Keoma, einst einziger Überlebender eines Massakers und von einem Weißen adoptiert, kommt aus dem Bürgerkrieg zurück und findet seine Heimatstadt von einem einflussreichen Gauner terrorisiert und von einer Pockenepidemie heimgesucht wieder. Außerdem sind da noch seine drei "Brüder", die ihn abgrundtief wegen Daddy-Issues hassen. Keoma hilft einer hochschwangeren Frau und räumt im Ort auf, klappt aber nicht alles so optimal.
Was diesen Film aber aus der Masse heraushebt ist das Wie, die Art der Umsetzung. Da werden so viele Ideen eingesetzt und kombiniert, wie man es sonst nie erlebt hat. Zumindest fällt mir kein vergleichbarer Film ein. Zunächst einmal: Rückblenden zur Kindheit der Hauptfigur, die ohne Cut (!) fließend mit dem eigentlichen Geschehen verbunden sind (in einer Szene beobachtet Keoma sein jüngeres Ich). Echt cool gemacht, manchmal einfach mit einem Kameraschwenk. Überhaupt tolle Kamerafahrten, die man in der Form nicht so häufig sieht. Dann Zeitlupe abwechselnd mit normal laufenden Szenen bei den Actionsequenzen bzw. Todeseinstellungen.
Dann ausgefallene Perspektiven: am Schießstand beobachten wir Keoma und Vater von der Rückseite der Zielscheibe, erst durch die Treffer und Einschusslöcher wird die Sicht für den Zuschauer frei. Oder wenn der Protagonist die vier Fieslinge, die er gleich niederballern wird, mit den Fingern verdeckt und dann runterzählt. Außerdem die Bildkomposition. Standardmäßig werden wichtige Elemente ja in die Bildmitte gesetzt, Regisseur Enzo G. Castellari verfrachtet sie in vielen Einstellungen an die Ränder. Der Look hat darüber hinaus etwas Postapokalyptisches an sich und in der Stadt weht ständig ein staubiger Wind oder es stürmt.
Erzählerisch ist das auch alles andere als normal. Eine alte Frau, die einen Handkarren mit Kram zieht, taucht immer wieder als personifizierter Tod und eben als Keomas Begleitung auf, unterhält sich auch kurz mit ihm. Man kann nicht genau sagen, ob sie nur seine Einbildung ist oder auch von anderen wahrgenommen wird, aber das alleine ist schon eine geniale Idee. Ferner ist da noch der Soundtrack, der fast komplett aus Gesang besteht, so richtig mit Lyrics. Die Texte besingen, meistens mit melancholisch-klagender Frauenstimme, begleitet von Akustikgitarre, mehr oder weniger das aktuelle Filmgeschehen. Eigentlich nicht unbedingt mein Geschmack, aber ich weiß es zu schätzen für den Beitrag zur Stimmung.
Die ganze Atmosphäre hat durch die oben erwähnten Dinge was von tragischem Traum und mystischer Vision. Aber egal was man vom eigentlichen Inhalt denken mag (da gab es schon weitaus Besseres), filmisch und narrativ ist das ein Meisterwerk und sollte auf entsprechenden Schulen analysiert und auseinandergenommen werden. Wird es vermutlich auch, aber ich finde es seltsam, dass man kaum etwas von Keoma hört. Die Kritiken waren/sind zwar positiv, aber nicht unbedingt enthusiastisch. So nach dem Motto "Gut gemachter, später Italowestern". Imho verdient das Teil mehr Aufmerksamkeit und Anerkennung als das. In Deutschland gibt es nichtmal eine Blu-ray, da müsste man schon zum Spanien-Import greifen. Dadurch, dass der Film damals für die hiesigen Märkte brutalst zusammengekürzt wurde, gibt es in der ungeschnittenen Version viele Szenen, für die keine deutsche Synchronisation vorliegt, sodass der Ton auf der DVD zwischendurch immer mal wieder kurz ins Englische wechselt. Ist als Notlösung aber okay so.
Also falls sich wer für das Medium Film an sich interessiert und Keoma noch nicht kennt, dem möchte ich dringend ans Herz legen, da mal reinzuschauen.

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Der Schatz der Sierra Madre /The Treasure of the Sierra Madre (1948)
Abenteuerfilm über drei abgebrannte Amis, zwei junge und ein erfahrener alter, die 1925 in Mexiko nach Gold graben wollen. Gilt als Abenteuer-Genreklassiker, aber wie so oft erhoffte ich mir mehr davon. Der Anfang war etwas lahm, dauerte lange bis die wirklich mal loslegen. Das Setting später dank Originalschauplätzen in der Wildnis sehr schön, nur schade dass der Film nicht in Farbe war (was zu der Zeit durchaus machbar gewesen wäre). Aber die Handlung, die Charaktere... Ich weiß auch nicht. Fand ich sehr unbefriedigend. Hatte mehr von Drama als von Abenteuer, denn eine der drei Hauptfiguren, im Grunde DIE Hauptfigur da von Humphrey Bogart gespielt, verfällt dem Goldrausch und wird wahnsinnig. Verfolgungswahn, Gier, Misstrauen, das volle Programm. Damals war der Trope sicher noch nicht so ausgelutscht, aber najo, kennt man inzwischen halt schon tausendfach. Wenn sich sowieso fast alles nur um diese drei dreht, dann fänd ich die wenigstens gerne sympathisch und interessant. War aber nicht der Fall, eventuell abgesehen von Curtin (Tim Holt). Immerhin: Ein Texaner, der ihnen auf die Schliche kommt und mitmischen will, sowie eine gefährliche Banditenbande potenzieren die Probleme für die Protagonisten. Letztenendes fehlte mir auch eine weibliche Rolle - in dem Film gibt es (abseits von ein paar Statisten) gar keine Frauen.
Ich hasse es, wenn man am Ende von solchen Geschichten das Gefühl hat, dass alles umsonst gewesen ist. Versteht mich nicht falsch. Brauche kein klischeehaftes Happy Ending. Aber der Schatz komplett futsch, Goldsand in alle Winde verstreut und der Hauptcharakter beiläufig im letzten Viertel von den Banditen geköpft (!), das ist irgendwie so negativ und zynisch.


Il mercenario (1968)
Typischer Zapata Western. Franko Nero spielt einen manipulativen polnischen Söldner, der bei mexikanischen Revolutionstruppen mitmischt. War ganz okay. Vor allem das Hin und Her zwischen den beiden Helden war sehens- und der Soundtrack von Morricone hörenswert (besonders dieses berühmte Stück, erst recht ab 2:00, das Tarantino mal wieder auch für seine Filme entwendet hat). Jedoch gibts einen ähnlichen Knackpunkt wie bei dem obenstehenden Film. Zwar ist der Revolutionsführer Paco Roman (Tony Musante) unterhaltsam und locker, aber die Titelfigur kommt dagegen zum Teil rüber wie ein geldgieriger und total überheblicher Mistkerl (imho nicht auf die angenehme Art, wie bei so vielen anderen Western-Antihelden). Fands in dem Zusammenhang auch seltsam, wie lange sich Paco vom Söldner herumkommandieren lässt, letzterer hatte immer die Zügel in der Hand. Darüber hinaus kann der Kunstgriff mit der Erzählung in Rückblende, die im letzten Drittel des Films eingeholt wird, nicht darüber hinwegtäuschen, dass die Handlung enorm schlicht aufgebaut ist und kaum irgendwelche spannenden Wendungen und Überraschungen bietet. Kann man sich angucken, muss man aber nicht.

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Sacramento /Ride the High Country (1962)
Langeweile pur. Die Landschaften und das Mädel waren ganz nett. Ansonsten passiert dort erstaunlich wenig von Belang in erschreckend gemächlichem Tempo. Für mich bleibt es dabei: Die einzigen, die richtig vernünftige Western machen können /konnten, sind Italiener und Clint Eastwood.


Außerdem hab ich noch Tombstone (1993) sowie Silverado (1985) gesehen, auch wenn die zeitlich ein bisschen zu jung für diesen Thread sind, weshalb ich mich damit nicht allzu umfassend aufhalten möchte. Waren beide recht sehenswert, kann aber gar nicht sagen, welchen ich besser fand, weil sie inhaltlich und stilistisch doch ziemlich verschieden sind. Kurioserweise schien mir der aus den 80ern mehr ein 90er Film zu sein, und der aus den 90ern mehr ein Werk der 80er. Keine Ahnung woran das lag. In beiden spielen viele Darsteller mit, mit denen ich mehr oder weniger aufgewachsen bin (Kurt Russell, Val Kilmer, Sam Elliott, Michael Biehn uvm. in Tombstone; Kevin Kline, Kevin Costner, Danny Glover, Jeff Goldblum uvm. in Silverado), einige davon nach wie vor aktiv. Beide besitzen einen durchaus guten, von Bruce Broughton komponierten Soundtrack.
Tombstone hatte das Problem eines viel zu langen Drehbuchs, das massiv gekürzt werden musste, was man im fertigen Film leider sieht, bei dem das letzte Drittel fast so wirkt, als hätte jemand auf die Vorspultaste gedrückt (quasi wie eine Zusammenfassung mit Lücken). Überhaupt massig Charaktere, die auftauchen aber kaum eine Rolle spielen oder mal ausgebaut werden. Auch war man bei der Gestaltung der Handlung natürlich nicht so frei, da die Geschichte auf historischen Ereignissen beruht (Namen wie Wyatt Earp oder Doc Holliday hat manch einer selbst hierzulande bestimmt schonmal gehört). Gab vielleicht dadurch bedingt schon ein paar Durststrecken, die ich nur wenig interessant fand. Andererseits gibt es da diese Epic Scene of Awesome Kick-Assery, die alleine für viele Schwächen entschuldigt NOOO. NO... NO. Und dann der Dialog am Ende davon, der auch auf deutsch sehr cool kommt (Verbündeter: "Wenn das meine Brüder gewesen wären, würde ich mich auch rächen wollen." Doc: "Oh, täusche dich nicht. Es geht ihm nicht um Rache. Das ist das Jüngste Gericht!" ). Sind noch viele weitere schöne One-Liner drin.
Hauptmakel bei Silverado ist der schwache Fokus, besonders zu Beginn. Die relativ einfache Geschichte, die der Film eigentlich erzählen möchte, wird unnötig kompliziert rübergebracht. Hinzu kommt, dass Regisseur und Drehbuchautor Kasdan (Star Wars Episode V, VI, VII, Indiana Jones) zwar mit wunderbar eingängigen Motiven und Situationen bzw. Klischees das Western-Genre wiederzubeleben versucht, aber letztenendes gar nichts Neues auf den Tisch bringt. Hat man alles schon oft anderswo gesehen, und in vielen Fällen auch besser. Trotzdem war dies ein runderer Film insgesamt, und ich mochte die weitgehend sympathischen Hauptfiguren (abgesehen von Jake, gespielt von Costner, weil zu kindisch-albern, aber der war zumindest tolerierbar).


Wenn ihr welche der hier behandelten Titel kennen solltet, scheut euch nicht, darüber zu schreiben - mich interessieren eure Eindrücke und ich tausche mich darüber gerne aus

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Des Königs Admiral /Captain Horatio Hornblower R.N. (1951)
Es war soo wundervoll! Genau das, was ich ständig suche und kaum finde. Der Film stand schon länger auf der Liste, aber hatte bisher nie die Gelegenheit, den zu gucken. Basiert auf einer elfteiligen Abenteuer-Buchreihe, die den Aufstieg und das Leben eines Mannes in der britischen Marine zur Zeit der Napoleonischen Kriege behandelt, vom jungen Kadett zum angesehenen Seeman und Kapitän bis hin zu Commodore und Konteradmiral. Der Film deckt mehr oder weniger die Story der Bände 6 bis 8 ab, habe ich gelesen. In den 2000ern erschien eine Fernsehfilm-Reihe (mit dem Mr. Fantastic Schauspieler aus den beiden ersten Fantastic Four Filmen in der Titelrolle), die mit diversen Abweichungen die Bücher 1 bis 3 zum Inhalt hat (wenn ich mich nicht irre) und auch recht beliebt ist. Zumindest nach chronologischer Reihenfolge. Um letztere soll es hier nicht gehen, wobei ich die vielleicht auch noch irgendwann gucke, weil ich grade angefixt bin.
Hornblower ist im Prinzip wie ein Piratenfilm ohne Piraten. Erinnert an "Master & Commander", nur mit einem viel sympathischeren Protagonisten (gespielt von Gregory Peck) und epischeren Seeschlachten Die Handlung wirkt etwas episodisch, womit ich aber kein Problem habe. Anfangs hat Horatio eine geheime Mission in Mittelamerika, soll die Rebellion gegen die Spanier unterstützen. Für einen irren Diktator kapert er ein riesiges Schiff und übergibt es ihm, nur um wenig später zu erfahren, dass Spanien und England Frieden geschlossen haben und nun Verbündete sind - also muss das kürzlich aus der Hand gegebene und überlegene Kriegsschiff nun gejagt und eigenhändig zerstört werden. Das ist eine sehr realistische Wendung, die nicht oft in Filmen auftaucht, so sehr wie wir an Hollywoods Handlungsstrukturen gewöhnt sind - es kam häufig vor, dass Kriegsparteien in Übersee /auf anderen Kontinenten noch kämpften (und dabei zig Leute gestorben sind und Ressourcen verbraucht wurden), nur weil sie die Nachrichten der Beschlüsse aus der Heimat nicht schnell genug erreichten. Bei der Gelegenheit wird auch gleich die hübsche Aristokratin Lady Barbara (Virginia Mayo) an Bord gebracht, die den sonst so gefassten Kapitän aus dem Konzept bringt und ihm den Kopf verdreht. Zurück in Europa geht es dann direkt gegen die französische Flotte, und Hornblower muss mit einiger Cleverness aus der Gefangenschaft fliehen.
Die Geschichte kommt mehr wie ein Abschnitt im Leben des Helden rüber. Man bekommt ein Gefühl dafür, dass da schon vorher was gelaufen ist und anschließend noch einige Abenteuer zu bestehen wären. Ist jetzt kein Cliffhanger Ending oder so, den Schluss fand ich sehr befriedigend, was bei den Filmen aus dieser Zeit mit ihren häufig minimalistisch kurzen Enden nicht selbstverständlich ist. Aber trotzdem schade, dass sie daraus nicht schon hier eine Reihe aufgebaut haben, denn dafür wäre es perfekt geeignet gewesen. Auch jetzt noch würde ich für sowas sofort ins Kino rennen. Die Hauptperson ist dabei zwar erfahren und wird meist als toll und überlegen charakterisiert, aber auch als menschlich. Hat dadurch eine besondere Wirkung, wenn die Schale aus nautischem Rang-Gehabe aufbricht und ein paar Unsicherheiten zum Vorschein kommen. Wundert mich nicht, dass Horatio Hornblower für Gene Roddenberry eine starke Inspiration gewesen ist, insbesondere als er die Star Trek Charaktere Captain Krik und Jean Luc Picard schuf. Auch für Nicholas Meyer waren die Geschichten und der Seefahrt-Stil ein gestalterischer Wegweiser (der uns ein paar der besten Filme jener Franchise beschert hat). Sogar die ersten paar Noten der Titelfanfare klingen gleich xD
Nee, ehrlich. War ich begeistert von. Und wie so oft eine Schande, dass der Film keine Restauration in HD erfahren hat und folglich nicht auf Blu-ray erhältlich ist :-/ Der deutsche Titel ist übrigens mal wieder bescheuert - in der Story ist Hornblower gar kein Admiral, und andere Charaktere, auf die das eventuell zutreffen würde, spielen darin keine wesentliche Rolle, sodass es sich wohl kaum auf diese bezieht.


Hier noch der Original-Trailer:

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Ivanhoe - Der schwarze Ritter /Ivanhoe (1952)
Not bad. Entsprechend der Epoche der Filmgeschichte natürlich mit knallbuntem Technicolor-Overkill, aber das trägt zum Charme bei. Titelheld Ivanhoe (Robert Taylor) entdeckt, dass König Löwenherz nach der Rückkehr von den Kreuzzügen in Österreich gefangengehalten wird, aber der fiese Prinz John (Guy Rolfe), der in England regiert, wo Normannen und Angelsachsen aufeinander losgehen, das Lösegeld nicht bezahlen will. Mit Hilfe von einem gewissen Locksley (-_^) und einem einflussreichen, alten Juden namens Isaac samt hübscher Tochter Rebecca (Elizabeth Taylor) mit Begabung zur Heilerin will Ivanhoe die Kohle auftreiben, auch indem er an einem Turnier teilnimmt, und nebenbei noch ein paar Normannen platt macht. Dabei gibt es eine gewisse Konkurrenz zwischen Rebecca und Lady Rowena (Joan Fontaine), welche bei Ivanhoes Vater untergekommen ist, um die Gunst des Protagonisten. Die Love-Triangle bleibt oberflächlich genug, um nicht zu nerven (nicht dass so ein Konzept immer schlimm wäre, aber das kann sehr leicht daneben gehen). Der Leibeigene und anschließend Knappe Wamba, der hauptsächlich als Comic-Relief dient, hat mich da schon eher gestört. Andererseits tat er mir leid, als er plötzlich und nebensächlich gegrillt und gekillt wurde.
Etwas zu viel war mir, dass es in der ersten Hälfte das Turnier gibt, und am Ende nochmal die Entscheidung am selben Ort mittels sehr ähnlich gestaltetem Zweikampf zu Pferde stattfindet. Hätte es wesentlich cooler gefunden, wenn sie den Schlusskampf einfach per Schwert und an einem anderen Ort ausgetragen hätten, egal wie sehr das von der Romanvorlage abgewichen wäre, aber man kann halt nicht alles haben. Zu dick aufgetragen erschien mir auch das Religionsgelaber über Christen und Juden, woran ständig erinnert wurde. Hat mir vom Abenteuerspaß abgelenkt, und nur recht wenig zur Handlung beigetragen. Außerdem war die Darstellung des Protagonisten meist etwas zu überlegen, stoisch und ernst, da wären ein paar lässigere Szenen gut gekommen, um ihn sympathischer zu machen. Aber dieses Eingenommen-sein vom Ehrgefühl gehört vermutlich zu dieser Art von Geschichte dazu. Richtig gefallen hat mir die Belagerung und Stürmung der Burg und die Gestaltung des Turniers. Trotz vieler Macken und ohne optimal gealtert zu sein, durchaus noch ein sympathischer Ritterfilm.


Prinz Eisenherz /Prince Valiant (1954)
Schwierig. Der Film hat keinen tollen Ruf aber trotzdem einige hartgesottene Fans. Beides kann ich irgendwie nachvollziehen, aber unterm Strich überwiegen für mich die negativen Punkte. Als da wären... Schwache schauspielerische Leistungen an jeder Ecke. Die Frisur von Hauptdarsteller Robert Wagner ist nur schwierig zu ertragen. Seriously. Die Handlung ist simpel und vorhersehbar, manchmal gar peinlich. Von Anfang an weiß man wer der schwarze Ritter ist, die Verdächtigung wird sogar lange vor der Enthüllung explizit erwähnt aber als Unsinn abgetan, und trotzdem will einem der Film das als Überraschung verkaufen, wenn später die Maske fällt (untermalt mit dem entsprechenden "Drama-Soundeffekt", das wirkte echt übertrieben klischeehaft und unfreiwillig komisch).
Gibt noch viel mehr Stolperfallen darin. Die beiden weiblichen Figuren Prinzessin Aleta und Ilene waren übelst eindimensionale Pappkameraden. Das alleine wäre für den Jahrgang 1954 ja noch vertretbar gewesen, aber die dazugehörige Liebesgeschichte war nichtmal nachvollziehbar. Woher kamen da die einseitigen Gefühle? Von der fehlenden On-screen-Chemie ganz zu schweigen. Weil der Hauptcharakter eine Situation falsch deutet, versucht er Aleta, die eigentlich auf ihn steht, mit Sir Gawain zu verkuppeln. Der verliebt sich in sie, obwohl Ilene was von ihm will. Anstatt die Sache einfach mit zwei Sätzen aufzuklären, wozu es mehrmals genug Gelegenheit gab, droht den halben Film über die verhasste Liar-Reveal-Plotdevice. Irgendwann war man seelisch drauf vorbereitet, aber stattdessen wird das in die letzten 30 Filmsekunden gequetscht nach dem Motto "Och, das haben wir in deiner Abwesenheit schon untereinander geklärt. Alles easy in Wohlgefallen aufgelöst." Lazy Script.
Der Fokus hat mir gefehlt, denn einerseits geht es um die Wikinger und Eisenherz' Familienehre, andererseits möchte er am Hof von König Arthur ein Ritter werden. Diese beiden Aspekte greifen aber nicht gut ineinander! Die Sache mit den Wikingern hielt ich längst für ein Stück unbedeutende Hintergrundexposition und für begraben, dabei kommt das im letzten Drittel nochmal wieder und alles dreht sich 25 Minuten oder so nur noch um den Angriff auf bzw. Befreiung aus der Wikingerfestung. Das ist quasi die große Szene des Films mit Action, Stunts und Feuer usw., und trotzdem fühlte es sich für mich an wie eine Art Sidequest. Zu dem Zeitpunkt wirkte Camelot schon lange wie die Haupthandlung, weshalb ich lieber wissen wollte, wie es dort weitergeht. Der Ortswechsel lenkte thematisch stark davon ab. Hätte man vorher mehr Wert auf den Wikingerkram gelegt, hätten sie das ausgleichen können, doch da waren die ersten paar Minuten des Films einfach nicht genug.
Dann wäre da der Protagonist selbst, der bei der Action zwar halbwegs agil und aktiv bleibt, aber ungeheuerlich steif im Umgang mit anderen Figuren rüberkommt. Fast als hätte er irgendwie etwas von seiner sozialen Entwicklung versäumt :-/ Oh, und wo ich vorhin von den Wikingern schrieb: Die hatten keine gehörnten Helme, das ist ein Mythos und eine Erfindung aus alten Opern etc. >_> Ich meine, sicher, König Arthus ist selbst nur eine Sage mit keinem oder nur minimalstem historischen Hintergrund, von daher bin ich normalerweise dazu geneigt, über sowas hinwegzusehen, da es mehr Fantasy als Historienepos ist. Prinz Eisenherz basiert auf einem Comicstrip! Und dennoch frage ich mich - muss man damit so sehr übertreiben und diese Aspekte noch besonders betonen, indem jedem Wikinger ein Helm mit Riesenhörnern gegeben wird? Meh. In dem Film stecken bestimmt genug Ungenauigkeiten, um den Kopf eines jeden Geschichtslehrers zum Explodieren zu bringen ^^
Ein paar gute Dinge retten den Film vor dem totalen Absturz. Ein Highlight war der finale Kampf zwischen Valiant und dem entlarvten Bösewicht im Saal der Tafelrunde. Ging zwar nur fünf Minuten aber hat gerockt, da spürte man die Energie dahinter. Die Sets und Landschaften gehen klar, wirkten schön kräftig und zum Teil märchenhaft mystisch. Mochte besonders die eher seltenen Szenen in der grünen Natur. Die Musik war angemessen pompös. Und so sehr der lange Abschnitt mit der Wikingerburg ablenken mag, auch das hat Spaß gemacht. Generell kommt im Film ein bisschen was von dieser angenehmen Swashbuckling-Atmosphäre rüber, nach der ich ständig suche. Guten Gewissens weiterempfehlen kann ich Prinz Eisenherz aber leider nicht.

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Ach, ganz vergessen und schon vor ner Woche oder so geguckt:

Vom Winde verweht /Gone with the Wind (1939)
Soo, noch eine Bildungslücke geschlossen. Interessant und monumental, aber in manchen Bereichen nicht gut gealtert. Mit knapp vier Stunden außerdem ganz schön langatmig. Gibt genug Filme, die ähnlich umfassende Zeiträume und Entwicklungen abdecken und trotzdem weit unter dieser Zeit bleiben (der thematisch ähnliche Cold Mountain braucht auch nur zweieinhalb). Scarlett war echt mal eine manipulative, egozentrische, opportunistische und kaltherzige Bitch ^^ Dachte sie würde sich nach dem Krieg ändern, was ich als Entwicklung der Persönlichkeit toll gefunden hätte, aber tat sie nicht wirklich. Der Rhett Butler war meistens auch nicht so viel besser, die haben einander echt verdient. Von Romantik war entgegen meiner Erwartungen durchgängig nicht viel zu merken.
Hier liegt auch irgendwo das Problem, das ich mit dem Film habe: So sehr ich die schauspielerischen Leistungen auch anerkenne, brauche ich einfach Figuren, mit denen ich was anfangen kann. Sie müssen nicht super sympathisch und faszinierend sein, gerade die menschlichen Fehler haben immer eine besondere Anziehungskraft. Aber wenn ich alle Hauptcharaktere so unausstehlich finde, dass mich ihr Schicksal nicht mehr kümmert, bewirkt die Geschichte in mir praktisch keine emotionale Resonanz mehr. Von mir aus hätte Scarlett zur Hölle fahren können :P Auch schon nach ein oder zwei Stunden, aber damit schlägt man sich noch um einiges länger herum. Die Nebenfiguren waren da schon besser, aber werden vergleichsweise zu wenig beleuchtet, um die Handlung zu tragen - es dreht sich vordergründig wirklich alles um die Protagonistin.
Die Darstellung der Sklaven ist heute natürlich sehr cringeworthy. Kann nachvollziehen, warum manch einer damit Probleme hatte und hat. Der Umgang mit ihnen wirkt verharmlosend, und die Bediensteten selbst werden total einfältig rübergebracht. Was mir an dem ganzen Film im Grunde am besten gefallen hat, war der Bürgerkrieg. Wie die Leute im Süden damit umgingen, wie die enthusiastische Stimmung umschwenkt, und dann die Wirren in der Stadt und auf den Straßen, als die Yankees kommen. Danach die Rückkehr ins halb verfallene Anwesen bzw. Elternhaus und der langsame und schwierige Wiederaufbau, auch im übertragenen Sinne. Da gab es einige geradezu apokalyptische Szenen mit beeindruckenden Matte Paintings!
Und ich liebe es, wie man an sowas die voranschreitende Zeit bemerkt, sodass sich der Film am Ende tatsächlich sehr "groß" anfühlt. Zuerst wird die Familie intakt und oben auf gezeigt, dann der tiefe Fall in den Kriegswirren mit Armut und Elend, und anschließend der problematische Wiederaufstieg mit heftigem internen Drama und einigen tragischen Toden. Hätte mir trotzdem gewünscht, dass der Mittelteil im und kurz nach dem Krieg nicht so schnell abgehandelt worden wäre, da mich der mit Abstand am meisten gekümmert hat. Die Einstellung mit den Verletzten im Depot bei der Schlacht um Atlanta hat mich besonders begeistert und ist mir als Ausschnitt noch von damals in guter Erinnerung geblieben. Wie die Kamera dort herauszoomt und das ganze Ausmaß des Schreckens enthüllt - wohlgemerkt alles ohne Hilfe von CGI. Eine solche Mühe würde sich doch heute leider niemand mehr machen!
Handelt sich nach wie vor inflationsbereinigt um den erfolgreichsten Film aller Zeiten. Ich verstehe die Faszination, auch wenn der nicht so ganz mein Ding war und ich ihn bestimmt nicht noch einmal sehen möchte, schon aufgrund der vielen melodramatischen Elemente und des Kitsch-Faktors. Für den Umfang der monströsen Produktion kann man nur Komplimente übrig haben, und der Klassiker-Status ist wohlverdient, doch Bezeichnungen von einem angeblich "besten Film aller Zeiten" würde ich mich nie und nimmer anschließen.

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In letzter Zeit viel Akira Kurosawa abgecheckt und weitere Bildungslücken geschlossen. Demnächst werd ich mir vielleicht noch Die verborgene Festung, Yojimbo und Sanjuro geben.


Rashômon (1950)
Gilt als mega einflussreicher Klassiker, dem sogar nachgesagt wird, dass er hauptsächlich für die Etablierung der Kategorie "Bester fremdsprachiger Film" bei den Oscars gesorgt hat. Es geht um einen Mordfall im feudalen Japan und die voneinander abweichenden Zeugenaussagen zum Tathergang. Kann verstehn, warum der Film so einflussreich war. Zuvor kam es nur extrem selten vor und wurde quasi als Big No No betrachtet, dass die Kamera lügt. Die Kamera dürfe nur die Wahrheit wiedergeben, sonst würde der Zuschauer ja betrogen werden, so die Haltung damals. Das hat sich seit Rashomon geändert, der die Wahrnehmung von Individuen zum Thema hat und mit den unterschiedlichen Perspektiven spielt. Zahlreiche spätere Filme bauen auf ein ganz ähnliches Konzept auf.
Dazu war die Gestaltung trotz Schwarzweiß-Optik wunderschön atmosphärisch und stylish. Der sturzbachartige Regen, während dem drei Fremde Zuflucht in der Ruine eines großen Tores suchen, wow. Und dann der Wald, in dem das Sonnenlicht durch die Baumwipfel scheint... Man merkt, dass da jemand am Werk war, der etwas von seinem Fach versteht. Besonders überzeugend fand ich die Darstellung von Toshirô Mifune als Bandit, die mich sehr an seine Rolle aus Die Sieben Samurai erinnerte.
That being said, hat mich der Film, vielleicht aufgrund des Hypes, nicht so sehr begeistert wie ich gedacht hätte. Schon klar, dass die Message nur funktioniert, wenn das Ende "offen" bleibt in dem Sinne, dass niemand sagen kann, wer jetzt eigentlich Recht hatte und wie es sich wirklich abspielte. Der generelle Ablauf stimmt ja überein, aber viele wichtige Details unterscheiden sich. Man könnte hier sehr gut die Gründe analysieren, die jeder einzelne dazu gehabt hätte, entweder zu lügen, oder aber sich selbst was anderes einzureden /was anderes zu glauben. Trotzdem hat mir in der Geschichte irgendwie so ein Aha-Erlebnis gefehlt. Wie cool ich es gefunden hätte, wenn sich aus den vier Versionen irgendwie ein Schlüssel herauskristallisieren würde, der einen tieferen Einblick gewährt oder irgendeine wichtige Enthüllung preisgibt. Bleibt aber alles etwas trivial. Es sind einfach nur vier Versionen eines recht kurzen und unspektakulären Ereignisses. Der Clou besteht darin, dass es keinen Clou gibt. Das ist zwar lehrreich bezogen auf die menschliche Natur, aber als reine aber kluge Filmunterhaltung wäre imho einiges mehr drin gewesen.
Auch die Aussage des Opfers selbst hat mich etwas gestört. Der Film bleibt weitgehend glaubwürdig und realistisch, aber den Ermordeten über ein Medium aus dem Reich der Toten sprechen zu lassen, brachte völlig unnötig ein Semi-Fantasyelement hinein, das diese Geschichte nicht gebraucht hätte. Ein skurriles Gimmick, das die Handlung für einen Moment interessanter macht, ja, aber irgendwie nicht in das Gesamtbild passen will und besagte Glaubwürdigkeit ein Stück weit untergräbt. Natürlich könnte man theoretisch argumentieren, dass sich das Medium das nur ausgedacht hätte, weshalb es nicht zwangsläufig ein übersinnlicher Aspekt sein muss, aber ich denke nicht dass das die Intention war, zumal dann fraglich wäre, wie sie an die übrigen Informationen vom Geschehen gekommen ist. Als würde im Tatort bei den Zeugenaussagen plötzlich eine unbeteiligte Wahrsagerin hinzugezogen werden :P Ich liebe den übernatürlichen Kram normalerweise, aber wenn sich ansonsten der ganze Film mit einem Kriminalfall beschäftigt, ist das schon ein seltsamer Abschnitt.
Schlussendlich wieder so ein Film von historischer Bedeutung, bei dem ich froh bin, ihn mal gesehen zu haben, aber den ich vorläufig nicht für die Sammlung besorge. Definitiv sehenswert, wenn auch nicht perfekt. Und ich wünschte, mehr Streifen würden ein ähnliches Setting /Wetter wie die Rahmenhandlung hiervon nutzen. Diese ganze Situation in dem Regen an diesem verfallenen Ort, genial.


Das Schloß im Spinnwebwald /Kumonosu-jô /Throne of Blood (1957)
Kurosawa verfilmt Shakespeare, die Erste. Klasse Version der Tragödie Macbeth, die kurzerhand ins historische Japan verlegt wurde und den Aufstieg und tiefen Fall eines Kriegsherrn behandelt. Auch hier war das Setting für mich mit das Highlight. Dazu das creepy Orakel mit Spinnrad im Wald am Anfang und Ende. Mifune brilliert in der Hauptrolle. Zu Bedenken wäre, dass dieses Werk entsprechend der Vorlage bisweilen etwas theatralisch wirkt und daher manchmal nur langsam vorwärts kommt. Das Ende rockt, aber wer eine Abneigung gegen so klassisch-betagten Stoff hat, dem würde ich Das Schloß im Spinnwebwald mangels Spektakel nicht empfehlen.


Ran (1985)
Kurosawa verfilmt Shakespeare, die Zweite. Diesmal King Lear. Hat mich ehrlich gesagt trotz vieler bunter Farben nicht vom Hocker gehauen, hauptsächlich wegen ganz schlimmer Langatmigkeit. Ran geht fast ne Stunde länger als Throne of Blood, insgesamt 162 Minuten, und das ist für jenes Stück in diesem Medium imho zu viel. Alleine die erste Szene (!) dauert schon satte 24 Minuten, in denen im wesentlichen nur der alte Vater, seine Söhne und ein paar Vasallen nach der Jagd beisammen sitzen und diskutieren. Wäre ohne Informationsverlust auch in maximal der Hälfte der Zeit machbar gewesen. Das mag noch so bedeutsam für das spätere Geschehen sein, es ist einfach visuell langweilig anzuschauen und zieht sich wie Kaugummi. Da konnten auch ein paar der wenigen schicken Kampfszenen hinterher nicht für entschädigen, der Film ist ne Stunde zu lang. Auch für die Charaktere konnte ich mich nicht so recht erwärmen. Das mag teilweise an der Vorlage liegen, aber spätestens ab der Stelle, als der senile alte Sack seinen Verstand verliert, war er nur noch nervig. Hinzu kommt, dass das gesamte Teil bis auf wenige Ausnahmen auf Close-Ups verzichtet und fast komplett aus Long- und Medium-Shots besteht, was die Abwechslung weiter reduziert und für einen recht homogenen Eindruck sorgt. Kommt daher stellenweise tatsächlich wie eine Art Theaterstück rüber, aber hätt ich so echt nicht gebraucht. Das Spinnwebwaldschloss ist selbst mit seiner alten Schwarzweiß-Optik noch haushoch überlegen.


Vier Fäuste für ein Halleluja /Continuavano a chiamarlo Trinità (1971)
Ursprünglich hatte ich vor, erst den ersten Teil zu gucken (Die rechte und die linke Hand des Teufels, 1970), aber da das Sequel neulich wieder im Free-TV lief, hab ich diesem den Vorzug gegeben. Hmjanö. War ganz unterhaltsam, und der Humor ergibt sich aus dem übertriebenen oder untypischen Verhalten der beiden Protagonisten und der sympathisch-augenzwinkernden deutschen Synchronisation, aber niemals aus der Handlung selbst. Zwei Brüder, gespielt von Bud Spencer und Terence Hill, werden von ihrem Vater angewiesen, echte Ganoven bzw. Pferdediebe zu werden. Darin sind die beiden nur mäßig erfolgreich und tun im Wilden Westen teils unfreiwillig eher was Gutes (wie etwa, nach einem Raubüberfall auf einen Planwagen den "Opfern" auch noch Geld zu geben, anstatt ihnen welches abzunehmen ^^) und kommen hinterher einem fiesen Waffenhändlerring auf die Schliche.
Das Kartenspiel war ne schöne Szene (Mischen wie Trinità müsste man können xD Und der Bitch-Slap-Waffen-Zieh-Trick am Ende ist legendär!) aber unterm Strich bleibt die Story leider ziemlich generisch und unfokussiert, sodass manche Stellen gemessen am Inhalt zu lange gehen (besonders am Anfang). Oh, und beim Soundtrack hab ich einen Morricone vermisst, so jemand hätte den Film noch gehörig aufwerten können. Kann man sich geben, und im Laufe der Sichtung stieg mein Interesse leicht und ich musste diverse Male schmunzeln, aber ist dennoch eher etwas, bei dem man am Sonntagnachmittag beim Durchzappen im TV hängenbleibt, als etwas, das man als Event mit zum DVD-Abend bringt.